Taishuengeki, Kabuki du peuple

Aikawa Noboru 哀川昇

Quel est le point commun entre un voleur de grand chemin, un samouraï et une geisha ?

Ils sont tous joués par le même acteur, dans une incroyable vague de changements de costumes, dans une forme contemporaine de théâtre japonais appelée taishūengeki.

Traduit littéralement: "théâtre pour les masses": Un monde parallèle de fantaisie, de paillettes et de beaux hommes tout droit sorti d'un Manga portant des perruques élaborées et des kimonos somptueux, qui dansent et balancent gracieusement leur hanches pour dépeindre les femmes (Onnagata), tout en faisant de leur mieux pour séduire un public majoritairement féminin. Ce Kabuki du peuple représente une évasion dans un monde de romans mis en scène par la danse, d'histoires d'amour tragiques qui se terminent bien lorsque le personnage principal réapparaît dans le deuxième acte en tant que brillant dieu tueur de dragons, et de danses littérales avec des dragons. Une performance de la troupe de danseAikawa Noboru comprenant onna-gata buyō (danse traditionnelle japonaise interprétée par un homme jouant le rôle d'une femme), une pièce sur l'amour fraternel et la dévotion où l'acteur glamour de la première partie était un jeune garçon pas trop brillant (représenté avec de la morve coulant sur son nez), plus de travestissement et de danse, quelques chansons de shamisen, une pièce de breakdance totalement inattendue....

Le Taishu Engeki représente une merveilleuse culture unique au Japon, et c'est un passe-temps historique pour les gens ordinaires ainsi qu'un divertissement raffiné qui attire toutes les générations. En réalité, cependant, cela avait tendance à donner l'impression que ce n'était pas facile pour ceux qui le connaissaient peu et que c'était un théâtre spécialisé pour un petit groupe de fans. Le Taishu Engeki fait partie intégrante de la culture japonaise mais reste ignore par beaucoup.

Shinseishingeiza 新生真芸座 chef de troupe Noboru Aikawa Le troisième fils des trois frères Makeiza.

(Frère aîné Teruyuki Komazawa, deuxième frère Umenosuke Kataoka de Honke Makeiza) Il est réputé pour ses performances puissantes et la composition de la compagnie de théâtre est composée de jeunes. La voluptueuse onnagata fascine particulièrement le public. Les trois frères montrent leur individualité unique et attirent les clients.

Il existe plus de 130 compagnies de théâtre au Japon. De nos jours, de nombreuses compagnies de théâtre ont tendance à avoir des présidents dans la vingtaine et la trentaine qui servent d'enseignes. Il existe des compagnies de théâtre aux histoires diverses, des compagnies de théâtre aux histoires profondes qui se sont poursuivies pendant des générations aux compagnies récemment lancées (fondées), et le nombre de personnes dans une compagnie de théâtre varie de quelques à environ 30 personnes.

60 à 90 minutes (pièces principalement basées sur des drames d'époque)Principalement des drames d'époque tels que le drame humain , la comédie et le drame à l'épée (chevalerie).

30 à 60 minutes Dans des salles de spectacle principalement grand public...De nombreux lieux ont tendance à se produire en changeant chaque jour le contenu de la représentation (sujet externe). Dans des salles de spectacle principalement pour des publics de groupe...Il y a une tendance à changer le contenu de la performance (sujet externe) pour une période de 2 à 3 jours.Une façon d'apprécier le théâtre public est de changer de distribution et d'apprécier la façon dont les acteurs agissent, même pour le même thème.Un spectacle de danses et de chants par un ou plusieurs acteurs est présenté sur l'accompagnement d'enka ou de chansons populaires populaires.

Dans le monde du théâtre populaire, les liens familiaux forts sont à la base des activités de spectacle.Par exemple, s'il y a une troupe dirigée par un président de rang intermédiaire de 30 ans, la femme sera une actrice, les enfants seront des enfants acteurs, le frère cadet et sa femme, ou la sœur cadette et son mari, et même les parents seront sur scène. Il y a environ 100 compagnies de théâtre au Japon, et elles ont toutes une composition similaire. La troupe actuelle comptant en moyenne treize membres, les proches du président représentent la moitié des membres.Le noyau de la troupe est une famille qui communique entre elles avec un seul teint et peut se plaindre les unes aux autres, de sorte que la gestion de la troupe est fluide. Et les membres de la troupe qui mangent et dorment littéralement ensemble 365 jours par an peuvent être considérés comme une famille. En partageant les épreuves de la scène et de la loge, chacun développe une relation de confiance forte. Ces résultats sont à l'origine de performances acharnées qui durent environ trois heures et demie.

La composition des acteurs du voyage est suffisamment lourde pour qu'il y ait des enseignements makuuchi tels que "La seule façon de faire un repas est de l'appliquer" ou "Peu importe la scène, si vous apprenez à couper les coins ronds". avec votre maquillage, vos performances ne s'amélioreront jamais.'' Appliquez une quantité généreuse et soulignez le contour des yeux et l'arête du nez, en lui donnant un aspect vénéneux. Si vous pouvez faire la distinction entre le visage de scène et le vrai visage, vous serez un fan à part entière.On peut dire qu'Atsugesho est une marque de fabrique du théâtre populaire, mais il y a un visage de scène unique à la troupe. Les acteurs se font concurrence en termes d'individualité dans le maquillage ainsi que dans leur performance, mais ils finissent par ressembler un peu au président. Si tous les acteurs se ressemblent, en tant que fan, ils sont à moitié cuits.Le maquillage est si rapide. Il faut environ sept minutes pour resserrer les habutae, appliquer la couche de base, finir les yeux, les sourcils, le nez, les lèvres, etc., et attacher la perruque. Si vous en avez envie, vous pouvez le faire en trois minutes.C'est une caractéristique du jeu d'un acteur de voyage de jouer avec une quantité excessive d'émotion. Le style de performance de la troupe n'est bien sûr pas le même, car chaque membre rivalise autour du président. Cependant, si vous comparez les styles de performance du Kanto, du Kansai et du Kyushu, les trois bases principales du théâtre populaire, vous pouvez voir les caractéristiques partout.La région de Kanto est connue pour ses dialogues spirituels et son atmosphère élégante, mais toute la scène est fade et manque de vitalité. Kansai est doué pour gérer n'importe quel rôle sans difficulté et est doué pour le "brillant", mais il est trop adroit et manque de dynamisme. Kyushu, dont on dit qu'il est la Mecque du théâtre populaire, a un jeu d'épée de combat héroïque et un type de performance passionné, mais c'est un inconvénient qu'il est plutôt fatigant à regarder.Des évaluations complètes par les personnes impliquées montrent que les rangs des interprètes sont Kyushu, Kansai et Kanto, dans cet ordre. Cependant, une troupe de Kyushu n'est pas forcément un grand succès dans la région du Kanto. C'est une autre question de savoir si elle rencontre l'eau de la terre.

Quatre-vingt pour cent des amateurs de théâtre populaire sont des femmes. Bien que le nombre de jeunes femmes ait augmenté ces dernières années, il y a toujours un grand nombre de femmes d'âge moyen et plus âgées. Les habitués sont des fans de la scène elle-même, les mécènes sont ceux qui soutiennent les acteurs individuels. Ils sont divisés en supporters qui soutiennent pleinement la troupe et en membres du fan club.

Le théâtre populaire, comme le théâtre japonais, est fortement influencé par le Kabuki ou plus précisément, cela devrait s'appeler une dérivation, et cela s'appelait aussi le kabuki moyen, contrairement au grand kabuki qui était joué dans les théâtres de première classe.Au milieu de l'ère Meiji, le « Fushigeki » est apparu dans le théâtre populaire, qui s'est élargi pour inclure des parodies shigeki de Kabuki et de Shinpabutsu. C'est une pièce de rokyoku qui remplace le joruri du Kabuki. On peut dire qu'il était populaire parce qu'il satisfaisait à la fois les deux divertissements que le public aimait à l'époque. Cette fête était populaire dans tout le pays jusqu'à la fin de la guerre.

C'est le jeu d'épée qui a recueilli le soutien enthousiaste des masses parallèlement à la chorégraphie, que le président vétéran a appelée « les racines du théâtre populaire ».Dans Taisho 11 (1926), le combat à l'épée de réalisme héroïque établi par Shinkokugeki Shojiro Sawada a acquis une popularité explosive, et le théâtre populaire en a profité. Les fans qui aiment les histoires claires de récompenser le bien et de punir le mal sont parfaits pour le drame chanbara, qui se termine par des virages flashy, et même aujourd'hui, lorsque le nom a changé pour `` Jidai Ninjo Geki '', cela reste un art très prise.D'autre part, le spectacle de danse est apparu comme un service d'entracte de la pièce.

Le taishū engeki connut un succès sans précédent dans les années 1970 et 1980.

Le prédécesseur de la JCTEA ( Japan culture and Taishu Engeki Association ) était la Tokyo Taishu Engeki Halls Association, dont le président était Asagoro Shinohara depuis 1975. Immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, il commença à produire des spectacles de Taishu Engeki, qui se déroulaient dans les casernes utilisées comme salles de divertissement. Ils étaient soutenus par des gens ordinaires avides de divertissement et ont pris d’assaut le monde du divertissement. En 1951, le Shinohara Engeijo Hall a été ouvert comme théâtre permanent à Jujo, Kita-ku, Tokyo. En 1977, la salle Asakusa Mokubakan a été inaugurée et est toujours appelée la « Mecque » de Taishu Engeki. Dans les années 1980, Tomio Umezawa, acteur de Taishu Engeki, est devenu une star/chanteuse de télévision bien connue. De plus, les enfants acteurs Taishu Engeki (appelés Chibi Tama) ont gagné en popularité. En 1991, le fils d'Asagoro Shinohara, Yoshihiro, devient président de l'association Tokyo Taishu Engeki Halls.En 2011, la Tokyo Taishu Engeki Halls Association a été rebaptisée Tokyo Taishu Engeki Association. En 2022, diverses représentations spéciales ont eu lieu pour célébrer le 71e anniversaire du Shinohara Engeijo Hall.

Le 10 juin 2022, le fils aîné de Yoshihiro Shinohara, Masahiro, est devenu directeur représentatif. L'Association Culture japonaise et Taishu Engeki a été créée en tant qu'association générale constituée pour reprendre l'Association Taishu Engeki de Tokyo dans le but d'élargir la gamme d'activités et de renforcer l'organisation.JCTEA essaie d'apporter des contributions externes pour lancer de nouveaux défis adaptés à la prochaine génération dans le but de sensibiliser le public au Taishu Engeki en tant que partie intégrante de la culture japonaise, d'améliorer le statut social du Taishu Engeki, de développer ses ressources humaines et de mener des relations publiques internationales.

Le programme change tous les jours durant un mois. Les répétitions n’ont d’autresupport que la parole : elles reposent sur la transmission orale (appelée kuchidate) duchef de la troupe, sans aucun livret de référence. Aikawa Noboru raconte à toute allurece que dit chaque personnage en donnant ses indications sur les combats de sabre oules changements de scènes. Les membres de la troupe l’écoutent, très attentifs, prenantdes notes ou enregistrant ses propos. Les acteurs chevronnés, qui connaissent lesdialogues de plus d’une centaine de pièces, se retirent les premiers. Ils expliquent avecapplication aux plus jeunes les sentiments d’un personnage ou la situation. Lesdébutants s’exercent aux pas de danse puis mémorisent les dialogues avant de secoucher.

Les acteurs ont au maximum un jour de congé par mois, mais ils ne font jamais relâche,sauf en cas de maladie ou d’accident.Jamais je n'ai vu aucun membre de la troupe sortir prendre l'air ou un café.Une seule fois nous sommes sorti ensemble faire des courses a la superette du coin: une demi-heure de fêtes. Cette vie de voyage ne laisse guère de liberté. Mais en partageant les joies et les peinesde la scène et des coulisses se tissent des liens qui permettent de se comprendre àdemi-mot et de communiquer sans paroles.

Dans le taishū engeki, les pièces qui traitent des conflits entre devoir et sentiments ou del’affection entre parents et enfants touchent toujours le cœur d’un large public. Peut-être est-ce ce lien de fraternité entre les acteurs qui les rend capables d’émouvoir unlarge public.

OESU

オーエス劇場 2 Chome-14-20 Sanno, Nishinari Ward, Osaka, 557-0001, Japon

ans le kimono les couleurs du dessous doivent s'harmoniser avec celles du dessus, le vêtement a une profondeur une géologie (Georges Banu -L'acteur qui ne revient pas -journées de théâtres au Japon-Aubier-1986 p.37.

Emballage raffine ,strates innombrable, le kimono comme vêtement théâtrale par excellence illustre ce gout des Japonais pour les amballages pour le moindre objet ou aliment qui rends presque insignifiant le cadeau lui-même ( Rolland Barthes-L'empire des signes-).

Règne des nœuds et non des boutons , pas de fermeture definitive il se detache avec facilite et dans la lenteur L'habilleuse sa femme travaille a plein temps en coulisse.

Spectacle excessif ou l'effet et la pause se disputent une clarete totale.Ostantation vonotaire du spectacle ( R.Barthes sur le Cach).

Le corps présenté sur scène est un acte artistique autant et parfois plus que la performance elle-même. Créer un personnage signifie emprunter à la culture japonaise «traditionnelle» qui comprend les geishas, les courtisanes, les perruques lourdes et les kimonos brodés, ainsi qu'à la culture contemporaine du manga et du cosplay. les personnages se déplaçant devant le public semblent être directement descendus des pages d'un manga fantastique ou d’un film de Chambara (cape et épée).Plutôt que d'être fluides dans les genres, le corps du taishūengeki est asexués parce que non réels et ne prétendent pas l'être. Un acteur sur la scène traditionnelle est une photographie, ou, si le décor comporte des éléments fantastiques, une peinture d'un univers imagine. Un acteur de la scène taishū engeki transforme son corps en dessin de manga : quelque chose qui n'existe pas dans la vraie vie, mais qui est hautement désirable, désirable, fantasme.Les acteurs de Kabuki ont mis en scène l'érotisme en se faisant passer pour des femmes ; Les acteurs Taishūengeki jouent avec le désir devenant tour à tour Cendrillon et le Prince.Les acteurs de Taishūengeki choisissent leurs personnages et ont des préférences individuelles, mais cela est secondaire par rapport à leur objectif de captiver le public. Les deux catégories d'interprètes apprennent à réinventer leurs corps, à les recréer sur scène ; cependant, dans un cas, nous assistons à une métamorphose individuelle de la vie réelle en personnage théâtral, et dans l'autre, nous avons un individu qui peut se transformer en n'importe quel personnage .Le Taishūengeki n'est pas du kabuki : il n'est pas célébré par les médias et encore moins par les chercheurs, et de nombreuses personnes dans la société japonaise contemporaine le considèrent comme une forme vulgaire et étrange de divertissement. Compte tenu du faible prix des billets et du fait que les spectacles sont rarement complets, on peut s'inquiéter de son avenir.Cette année 2023 je n'ai jamais vu de salle complète et le plus souvent pas plus de 6 0u 8 spectateurs sur les 6 fois ou j'ai assiste a des représentations.Ses pièces se déroulent principalement dans la période Tokugawa et sont centrés sur les conflits classiques entre le devoir (giri) et les sentiments humains (ninjō) le bien et le mal (zen'aku). Personnages de drame historique ( jidaigeki) et les répertoires kabuki tournent souvent autour de la figure du yakuza, un étranger itinérant - le plus souvent un criminel - en désaccord avec la société de droit et d'ordre. Encore une fois comme les drames télévisés des samouraïs,il y a beaucoup de combats d'épée, ou chanbara.

Des éléments explicites du kabuki sont conserves : onnagata (acteurs masculins pour des rôles féminins),kata (formes fixes d'action) et mie (poses stylisées).Les acteurs de Taishuengeki eux-mêmes se réfèrent souvent à leur performance comme"kabuki de troisième ordre." Cette perception de leur art comme un produit à petit budget .Le kabuki découle de la base historique de ce théâtre itinérant. Certains groupes ont formé leurs propres communautés sédentaires et se sont spécialisés en particulier des variétés de performances, telles que le théâtre de poupées. Ces artistes en sont venus à définir à bien des égards les marges de communautés agricoles sédentaires; ils formaient le substrat pour le kabuki et les formes de divertissement connexes au XVIIe siècle.Obligés de s'installer le long des berges - terres indésirables formant souvent les frontières des villages et des villes - ils sont devenus connus sous le nom de kawarakojiki, ou "mendiants au bord de la rivière". Les acteurs de Kabuki ont progressivement atteint de l'importance a la période Tokugawa, bien que les acteurs étaient strictement contrôlés et séparés. Quelques grands théâtres et des dynasties d'acteurs ont émergé formant leurs propres troupes , qui jouaient dans des théâtres, grands et petits, dans les centres urbains.Les autres ont joué dans les foires et festivals des templesdans les campagne.À la fin de l'ère Meiji et au début de l'ère Taishō (1912-1926), les acteurs ont commencé en incorporant des éléments du théâtre européen et américain dans leur performances. La littérature populaire de l'époque a créé un tout nouveau style de héros nihiliste, qui est devenu une influence majeure .tous deux jouent des scénarios fantasmatiques de modes d'être dépassés,de rencontres avec le passé, de déplacements temporels.le devoir et l'amour, ce que beaucoup de critiques considéreraient aussi comme"mauvais théâtre" en raison de la prévisibilité binaire de son récits. Pourtant, nuit après nuit, les habitués du théâtre éclatent en sanglots aux mêmes dénouements prévisibles - triomphe de l'amour maternel ou sacrifice de la famille par devoir. Un instant plus tard, ils rient, dans les sautes rapides et vastes de l'émotion.

Le Taishu engeki est très loin de l'affluence d'avant-garde.. Employant des conventions familières à tous les Japonais en passant par le kabuki ou les feuilletons télévisés, le théâtre n'en reste pas moins anti conventionnel avec son mélange particulier, dans lequel la corporéité exacerbée et la conscience de classes sociales prédominent.L'un des marqueurs les plus clairs de la position de classe est l'itinérance des troupes; les troupes non seulement parcourent la campagne, mais dans de nombreux cas n’ont aucune résidence permanente. Ils ont des engagements d'un mois dans de petits théâtres, centres de santé, gurando hoteru (grands hôtels) et hot Springs :stations thermales, de Kyushu à Hokkaido." Les troupes jouent tous les mois de l'année, prenant rarement un jour de congé.Chaque mois ils donnent deux représentations de trois heures par jour.Les troupes itinérantes apportent tous leurs biens ménagers, matériel de musique, accessoires et costumes avec eux sur la route. Même les réfrigérateurs,machines à laver, et butsudan, les autels domestiques bouddhistes où les tablettes ancestrales sont conservées, accompagnent les groupes dans leurs circuits.Le Kyushu, Kansai et Kanto et Shikoku sont les trois principales régions du taishu engeki ; les théâtres n'existent pas en dehors de ces trois régions.Ici, le beau est violent, sauvage , envoutement d'ordre esthétique.

Spectacle total ou les actrice sont des acteurs, les acteurs des actrices et vis-versa ou les simulacre cultivent l'incertitude.'' Le Japon ou le sens des extrêmes'' de Francois Laplantine......

Habillés en femmes, maquilles ,les acteurs se déploient avec la grâce d'une geisha, battent des cils, sourient avec coquetterie et font un clin d'œil au public. En tant qu'hommes, ce sont soit des amants abandonnés qui noient leur chagrin dans la boisson, soit de féroces guerriers dansant avec des masques et des épées ou des yakusa au grand coeur. En toutes circonstances, elles présentent des idéaux féminins ou masculins jusqu’à l’extrême, à la différence que la féminité est mise en valeur par une foison de vêtements et d'accessoires, tandis que la masculinité impliquera presque toujours un certain degré de nudité : poitrine, bras, jambes. Les raisons sont à la fois pratiques (montrer diverses parties du corps nues détruirait la beauté féminine rêveuse enveloppée de couches de tissus et de paillettes) et symboliques : la féminité est mystérieuse et fragile, et ne peut donc pas être facilement révélée, tandis que la masculinité doit affirmer force et vitalité.

Le corps présenté sur scène est un acte artistique autant et parfois plus que la performance elle-même. Créer un personnage signifie emprunter à la culture japonaise «traditionnelle» qui comprend les geishas, les courtisanes, les perruques lourdes et les kimonos brodés, ainsi qu'à la culture contemporaine du manga et du cosplay. les personnages se déplaçant devant le public semblent être directement descendus des pages d'un manga fantastique ou d’un film de Chambara (cape et épée).Plutôt que d'être fluides dans les genres, le corps du taishūengeki est asexués parce que non réels et ne prétendent pas l'être. Un acteur sur la scène traditionnelle est une photographie, ou, si le décor comporte des éléments fantastiques, une peinture d'un univers imagine. Un acteur de la scène taishū engeki transforme son corps en dessin de manga : quelque chose qui n'existe pas dans la vraie vie, mais qui est hautement désirable, désirable, fantasme.Les acteurs de Kabuki ont mis en scène l'érotisme en se faisant passer pour des femmes ; Les acteurs du Taishūengeki jouent avec le désir devenant tour à tour Cendrillon et le Prince.Ils choisissent leurs personnages et ont des préférences individuelles, mais cela est secondaire par rapport à leur objectif de captiver le public. Les deux catégories d'interprètes apprennent à réinventer leurs corps, à les recréer sur scène ; cependant, dans un cas, nous assistons à une métamorphose individuelle de la vie réelle en personnage théâtral, et dans l'autre, nous avons un individu qui peut se transformer en n'importe quel personnage .

Des éléments explicites du kabuki sont conserves : onnagata (acteurs masculins pour des rôles féminins),kata (formes fixes d'action) et mie (poses stylisées).Les acteurs de Taishuengeki eux-mêmes se réfèrent souvent à leur performance comme"kabuki de troisième ordre." Cette perception de leur art comme un produit à petit budget .Le kabuki découle de la base historique de ce théâtre itinérant. Certains groupes ont formé leurs propres communautés sédentaires et se sont spécialisés en particulier des variétés de performances, telles que le théâtre de poupées. Ces artistes en sont venus à définir à bien des égards les marges de communautés agricoles sédentaires; ils formaient le substrat pour le kabuki et les formes de divertissement connexes au XVIIe siècle.Obligés de s'installer le long des berges - terres indésirables formant souvent les frontières des villages et des villes - ils sont devenus connus sous le nom de kawarakojiki, ou "mendiants au bord de la rivière". Les acteurs de Kabuki ont progressivement atteint de l'importance a la période Tokugawa, bien que les acteurs étaient strictement contrôlés et séparés. Quelques grands théâtres et des dynasties d'acteurs ont émergé formant leurs propres troupes , qui jouaient dans des théâtres, grands et petits, dans les centres urbains.Les autres ont joué dans les foires et festivals des templesdans les campagne.À la fin de l'ère Meiji et au début de l'ère Taishō (1912-1926), les acteurs ont commencé en incorporant des éléments du théâtre européen et américain dans leur performances.

Le travestisme lui-même redouble en ce sens de la parodie dans son sens étendu : différence répétitive des encodages du sexe, du genre, de la sexualité et de leur appartenance sociale marqueurs éprouvés. Genre et sexe - et la cohérence de ce qu'ils impliquent - jouer pour d'autres registres du social-pull à part chez le travesti apparence. Lorsque ce croisement s'accomplit explicitement dans l'espace de la différence théâtrale devient en outre métaphorisée ; la possibilité d'une telle incohérence costumée édicte doublement les pouvoirs du le théâtre lui-même comme espace de rêves, de traversées oniriques de toutes sortes. Anne Herrmann, dans ses études sur le travestissement théâtral, affirme que de tels passages fonctionnent « comme un dispositif dramatique pour figurer historicisé formes de transgression sociale. Une telle transgression ne prend jamais la forme du travestissement lui-même ; c'est-à-dire que le travestissement en tant que tel n'est pas codé comme viol tion. Au contraire, l'hésitation entre le masculin et le féminin sert de une métaphore d'une contradiction sociale particulière.Le travestisme figuré de façon dramatique concerne autant d'autres types de diction comme celles révélées en transparence par des corps sexués ; loin de conduisant à une sorte d'indécidabilité androgyne, le travestisme souvent travaille à faire proliférer les contradictions à un certain nombre de niveaux, plutôt que de les la populaire. L'un des moyens par lesquels il parvient à cette prolifération est en effetà travers des figurations travesties.

Le Taishuengeki rejoins désormais le kabuki "haut de gamme" en ce que les rôles féminins y font l’objet de distanciation et ainsi mettre en avant leur relation avec distinction et talent : les affiches mettent expressément en avant leur star onnagata comme copies plébéiennes de Tamasaburo : Shitamachi no Tamasaburo, mais aussi dans une explosion de noms de lieux locaux - Naniwa no Tamasaburō, Genkai , Tamasaburo, Ginza Tamasaburo. Une foule de soi-disant Tamasaburo remplissent les scènes taishuengeki, avec leurs airs locaux, voluptueux, versions régionales de la perfection de Tamasaburo. Annonce de Barthes embourbé la subtilité et la mobilité du signifiant dans l'empire japonais de signes, pourtant en taishu engeki, les onnagata ressemblent à des dragqueens occidentales autant (ou aussi peu) que les chiffres orientaux de la féminité. Non seulement ils traduisent les femmes en signifiants de la différence (comme le font les acteurs de kabuki), elles puis traduisez cette traduction en une parodie de travestisme kabuki.Ce faisant, ils font proliférer les contradictions entre le statut de classede leur propre kabuki de troisième ordre et celui de la version de premier ordre.Pourtant, les pouvoirs du désir ne sont pas encore compris dans ces possibilitésde parodie, des pouvoirs qui font danser quelques-uns des hommes travestis.

Il est vrai que seuls les onnagata qui apapprocher une sorte de beauté d'inspiration kabuki deviennent vraiment ces objets du désir. Onnagata gras, à dents de cheval ou vieux pourrait être admiré pour leurs compétences, mais ne sont pas des attractions érotiques. Ils pourraient continuer à fasciner s'ils apparaissent pendant les jeux, mais quand ils dansent ils ne le font pasinspirer l'adoration des spectatrices. Plus un danseur s’approche à une notion plus centralement définie de la beauté ou de la beauté, comment jamais, moins une atmosphère burlesque règne et plus une scène que le public considère comme beau (kirei) se déroule. Quand cette beauté enfinémerge alors, aux côtés des autres attraits incontournables du taishuperformance d'engeki, l'attirance érotique devient au premier plan la question du récit recule. Pourtant, l'articulation des différences est surtout lors des spectacles de danse, lorsque les dons d’argent émergent pour intensifier cette attraction.Cadeaux éphémères Les cadeaux en argent sont très acceptables dans la société japonaise polie. De l’argent est donnée pour les mariages et les funérailles, pour les anniversaires et les remises de diplômes. Dans le cas des mariages et des funérailles, le montant du don monétaire est enregistré par la famille du destinataire, qui envoie ensuite un cadeau en retour (non d'argent) d'une valeur adéquatement correspondante.