Escapade culturelle à Paris

Arrivés tôt par le TGV de Nîmes, nous commençons par un bon petit déjeuner au Train Bleu à la Gare de Lyon. Un classique toujours apprécié !

Après avoir déposé nos bagages à notre hôtel favori (Hôtel Beaubourg, rue Simon Le Franc, derrière le Centre Pompidou) nous filons à la Fondation Louis Vuitton pour voir la Collection Morozov. Cette expo est le deuxième volet consacré aux collections de mécènes russes du début du XXe siècle. Après la Collection Chtchoukine il y a cinq ans au même endroit, voici la Collection Morozov.

Comme Serguei Chtchoukine les frères Morozov sont des industriels fortunés philanthropes et amoureux de l'art de leur époque, essentiellement les Impressionnistes et Post-Impressionnistes. Nés en 1870 et 1871 ils sont issus d'une famille d'origine serve, fervente orthodoxe. Leur intérêt pour l'art d'alors sur la scène parisienne, leur volonté de créer une collection représentative des mouvements modernistes puis leur souhait de faire donation de leurs collections à la Galerie Trétiakov sont les points communs de leur action.

Durant leur adolescence ils fréquentent les peintres russes les plus influents de leur temps, bénéficient d'un apprentissage artistique et s'entourent de conseillers comme les peintres Konstantine Korovine ou Valentin Sérov. Dès la fin des années 1890 Mikhail Morozov entreprend de réunir une collection autour de Manet, Corot, Monet, Toulouse-Lautrec, Degas, Bonnard, Denis , Gauguin et Van Gogh, qu'il sera le premier à faire connaître en Russie. Il meurt prématurément en 1903 à 33 ans, laissant une collection déjà de 39 œuvres françaises et 44 russes. Son épouse en fera don, selon son vœu, à la Galerie Trétiakov en 1910.

Son frère Ivan reprend à son compte le projet de Mikhail de créer une collection exemplaire d'art moderne français. C'est en 1907, en découvrant Cézanne, qu'il s'engage vraiment dans l'art de collectionner. Il fait réaliser des décorations monumentales du Salon de Musique de son hôtel particulier moscovite par Maurice Denis et de l'escalier d'honneur par Pierre Bonnard.

Le 19 décembre 1918 paraît le décret de nationalisation des collections d'Ivan Morosov. Sa collection d'art français compte alors 240 œuvres et sa collection d'art russe commencée plus tôt 430. Fuyant Moscou puis Petrograd, il rejoint l'Europe et mourra en exil à Carlsbad en 1921 à 49 ans.

Les premiers tableaux d'art français, acquis au tout début du XXe siècle, révèlent l'acuité du regard des frères Morozov sur l'art moderne français.

C'est Mikhail Morozov qui découvre dès 1902 l'œuvre de Pierre Bonnard. A sa suite son frère Ivan acquiert 8 toiles de Bonnard entre 1905 et 1913. En 1910 il lui commande 5 panneaux monumentaux pour son hôtel particulier.

Fascinés par la vitalité du regard novateur des Impressionnistes, les frères Morozov acquièrent dès 1902 de nombreuses toiles de Sisley, Pissarro, Renoir et Monet. Leur collection fait écho au tumulte de la première exposition des Impressionnistes en 1874.Grands amateurs de paysages, ils en connaissent les difficultés vécues dans leurs années de formation. Leur collection comporte autant de peintres français que russes ou finlandais. Qu'il soit impressionniste, panthéiste, théosophique ou réaliste, le paysage occupe la première place dans leur collection d'art occidental et russe.

Les 2 premières toiles de Gauguin à entrer en Russie sont acquises par Mikhail Morozov en 1900-1901. Puis son frère achète 11 autres toiles entre 1907 et 1910. Elles portent sur la période tahitienne du peintre, excepté le Café d'Arles de 1888. Cette collection témoigne de la pérégrination culturelle et picturale de l'artiste.

Leur attrait pour les paysages les pousse à acquérir des toiles qui réinventent le genre. Qu'elles soient des écoles modernes occidentales ou russes, tous les styles sont là : nabis ou fauves (Bonnard, Derain, Vlaminck, Valtat, Marquet), expressionnistes (Van Gogh, Munch) incarnent la rupture avec les représentations académiques de la nature.

Les artistes russes avant-gardistes puisent aux sources des cultures visuelles slaves et orientales.

En 909 Ivan Morozov acquiert 2 portaits masculins de Cézanne. Il les montre à tous les artistes russes gravitant autour de lui. En 1910 une exposition à Moscou rassemble pour la première fois les mouvements russes cézanniste, primitiviste, expressionniste. Le mouvement cézanniste constitue un élément original de la révolution picturales entre 1910 et 1917 par les avant-gardistes russes. Il en ressort une peinture d'emblèmes s'approchant de l'art des affiches commerciales.

La collection d'Ivan Morozov compte peu de natures mortes. Il achète cependant 3 toiles de Cézanne qui en a peint 186, reprenant inlassablement son travail. Ilya Machkov s'inspire des compositions de Cézanne et ses compositions évoquent les épiceries du monde rural russe.

Durant des mois Vincent Van Gogh s'efforce de fuir l'asile psychiatrique où il s'est fait volontairement interné à Saint-Remy-de Provence en mai 1889. Il n'en sortira qu'un an plus tard, en mai 1890, pour trouver refuge auprès du Docteur Gachet à Auvers-sur-Oise où il se suicide 2 mois plus tard. Durant son séjour à Saint-Remy il peint "La Ronde des prisonniers", inspirée d'un dessin de Gustave Doré de 1874, "Newgate, La Cour d'exercice" montrant une file de prisonniers dans une prison de Londres.

"La Ronde des prisonniers" se réfère à l'enfermement qu'il subit alors et les personnages évoquent les aliénés qui l'entourent. Privé de modèles ou de possibilité de peindre dans la nature, il se tourne vers la copie de gravures que lui envoie son frère Théo. Par sa charge émotionnelle et symbolique ce tableau occupe une place à part dans les dernières œuvres du peintre. Morozov l'achète pour parachever sa collection de la période arlésienne de Van Gogh où culmine son art.

Ivan Morozov s'intéresse à Matisse dès 1907, particulièrement dix natures mortes, composées d'objets rares au coloris saturé, savamment mis en scène. La succession de ces toiles frappe par l'évolution rapide du style du peintre au tournant du siècle. Il lui commande deux toiles "Nature morte à la Danse" en 1909 et "Fruits et bronze" en 1910. En 1911 il lui commande le "Triptyque marocain", chef d'œuvre de cette période.

La collection Morozov consacre au genre du nu de nombreux dessins, peintures et sculptures. C'est très atypique dans la Russie tsariste très moraliste et dans une famille orthodoxe fervente. Le genre du nu renvoie aux codes, aux dogmes, à l'interdit. Démontrant un grand courage dans ses choix artistiques, Ivan Morozov porta un intérêt continu au genre du nu, que ce soit dans l'art occidental ou russe. Ainsi il acquiert un ensemble de nus du sculpteur russe Serguei Konenkov, baptisé le Rodin russe.

Ivan Morozov rencontre Maurice Denis en 1907 et lui commande un grand ensemble décoratif pour son Salon de musique. Denis propose le thème de "l'histoire de Psyché. Après une année passée à Rome à la Villa Farnésine où il revoit les décorations monumentales sur le thème de Psyché peintes par Raphael, il présente à Morozov en avril 1908 des esquisses de son projet. Exposé au Salon d'automne, le cycle de l'"Histoire de Psyché" déclenche une polémique entre modernistes et traditionnalistes. Morozov est très satisfait et considère les tableaux comme les perles de sa collection. Les toiles sont installées à Moscou fin 1908. Trouvant qu'il faut ajouter quelque chose dans le décor, Denis convainc Morozov de lui commander un ensemble de 8 panneaux complémentaires. Enfin Ivan Morozov le charge de superviser la commande à Aristide Maillol d'un groupe de 4 sculptures en bronze et de grands vases.

Paris compte deux grands musées d'Art Asiatique: le musée Guimet et le musée Cernuschi. Tous les deux sont nés de la passion de leurs mécènes, grands industriels français, pour l'art asiatique.

Le musée Guimet est né du grand projet d’un industriel lyonnais, Émile Guimet (1836-1918), de créer un musée des religions de l’Égypte, de l’antiquité classique et des pays d’Asie. Des voyages en Égypte, en Grèce, puis un tour du monde en 1876, avec des étapes au Japon, en Chine et en Inde lui permirent de réunir d’importantes collections qu’il présenta à Lyon à partir de 1879. Il devait par la suite transférer ses collections dans un musée qu’il fit construire à Paris et qui fut inauguré en 1889. Du vivant même d’Emile Guimet cette institution se consacra de plus en plus à l’Asie, tout en conservant une section sur les religions de l’ancienne Égypte, à la suite des expéditions dans diverses régions de l’Extrême-Orient.

Les voyages de Louis Delaporte au Siam et au Cambodge avaient déjà permis de réunir une collection d’art khmer formant le noyau du musée Indochinois du Trocadéro, fondé dès 1882. À la fin du XIXe siècle, le musée du Louvre, de son côté, consacre une section aux arts d’Asie, principalement de Chine et du Japon, dans son département des objets d’arts, qui deviendra par la suite le département des arts asiatiques. Émile Guimet lui-même restreint de plus en plus la place accordée aux religions de l’antiquité pour présenter les objets rapportés de Corée par Charles Varat. Des séries d’iconographies religieuses sont retirées pour faire place en 1912 aux collections d’art tibétain que Jacques Bacot a réunies au cours de ses missions.

En 1927, le musée Guimet est rattaché à la Direction des musées de France et accueille d’importantes collections rapportées par les grandes expéditions en Asie centrale et en Chine, comme celles de Paul Pelliot ou d’Édouard Chavannes. Il reçoit aussi à partir de 1927 les œuvres originales du musée Indochinois du Trocadéro. Tout au long des années 20 et des années 30 arrivent également des riches dépôts de la Délégation Archéologique Française en Afghanistan. Le directeur du musée de l’époque, Joseph Hackin, qui dirige aussi les fouilles d’Afghanistan réalise de grands travaux dont la couverture de la cour centrale pour y présenter à partir de 1938 une partie des collections khmères. Le musée Guimet devient alors célèbre pour la richesse de ses collections dans le domaine du monde indianisé.

À partir de 1945 dans le cadre d’une vaste réorganisation des collections nationales, le musée Guimet envoie au Louvre ses pièces égyptiennes et reçoit en retour l’ensemble des œuvres du département des arts asiatiques du Louvre. Dès lors l’institution de la place d’Iéna devient l’un des tout premiers musées d’arts de l’Asie dans le monde.

Je vous présente ici une sélection des collections indienne, khmère et cham du musée.

Evolution de l'art indien bouddhique et hindouiste

La première école artistique bouddhique du Gandhara

C'est en Inde qu'est né le bouddhisme au VIe siècle avant notre ère et l'art indien bouddhique fut florissant du début de notre ère à la fin du 1e millénaire lorsque les invasions musulmanes mirent fin au bouddhisme dans ce pays. Apparu aux marges occidentales de l'empire d'Ashoka, dans l'actuel Pakistan, au Ie siècle avant notre ère, dans une région héllénisée depuis deux siècles par les conquètes d'Alexandre le Grand, l'état du Gandhara, qu'apparurent les premières représentations physiques du Bouddha qui , sans surprise, ont une plastique très influencée par l'art grec.

Parallèlement à la même époque plus au sud, dans l'état indien d'Uttar Pradesh dans la haute vallée du Gange, apparaît à Mathura une autre école artistique qui produit aussi des représentations physiques du Bouddha. Elles sont sculptées dans le grès rose de la région et ont une plastique beaucoup plus indienne.

Au IIe siècle de notre ère dans l'état d'Andhra Pradesh au sud-est du sous-continent indien, se développe une école artistique toute en finesse, l'école d'Amaravati. Elle influencera beaucoup les premières écoles d'Asie du Sud-Est.

Au Ve-VIe siècle un nouvel empire fédère une grande partie du continent indien, l'Empire Gupta qui donne naissance à une école artistique qualifiée d'âge d'or de la statuaire bouddhique en Inde.

A la simplicité monacale des statues de Bouddha s'opposent la richesse des parures des dieux hindouistes toujours vénérés.

La dernière grande école d'art bouddhique indien sera, vers les VIIIe-IXe siècles, les écoles Pala et Sena qui sont les héritières du style Gupta.

Au XIIe-XIIIe siècle, alors que le bouddhisme a disparu d'Inde, dans le sud du sous-continent une importance école artistique dite de Chola produit de très belles pièces raffinées qui influenceront beaucoup l'art hindouiste et bouddhique d'Asie du Sud-Est.

L'Art Khmer

Le musée possède une importante collection d'art khmer même si ce ne fut pas l'art de prédilection de Guimet qui lui préférait l'art japonais. Mais c'est dans la deuxième moitié de XIXe siècle, alors que Guimet mûrissait son projet, que furent découverts et étudiés les temples d'Angkor.

Le royaume khmer existe entre les VIIIe et XVe siècle, sa période d'âge d'or se situant aux XIIe-XIIIe siècles. La production artistique très variée, de pierre ou de métaux, a évolué au fil des siècles en conservant des constantes qui permettent de reconnaître une pièce khmère sans erreur. Outre la statuaire nombreuse, essentiellement hindouiste, car le royaume fut plus longtemps hindouiste que bouddhiste, l'architecture des temples est tout à fait originale et se reconnaît aussi très bien, en particulier les linteaux de porte richement décorés de bas-reliefs dont les thèmes sont toujours tirés de la mythologie hindouiste. Temples et sculptures sont en grès, pierre abondante de la région et facile à sculpter.

Les statues bouddhiques sont plus récentes, XIe XIIe siècle, période pendant laquelle le royaume suivit le bouddhisme Mahayana, venu de Chine. Il reste peu de statues bouddhiques khmères car une révolte des brahmanes hindouistes au XIIIe siècle a entraîné leur destruction presque totale.

Les linteaux de porte sont célèbres et ont été beaucoup pillés durant la guerre du Vietnam. Ils représentent toujours des scènes de la mythologie hindouiste ou pendant la période bouddhiste des scènes de la vie du bouddha. Ils sont toujours symétriques par rapport à une ligne verticale et s'articulent autour d'une guirlande. La scène centrale est au-dessous, au niveau ou au-dessus de la guirlande selon les époques.

L'Art du Champa, état hindouisé du centre du Vietnam

A la même période que le royaume khmer existait au centre du Vietnam actuel, dans la région de Hué et vers le sud un ensemble de petits royaumes hindouisés qu'on appelle Champa. Ses habitants étaient d'origine voisine des Khmers, austronésiens venus du sud. Tantôt ami, tantôt rival du royaume khmer le Champa disparaîtra par l'invasion des Viets à la même période que le royaume d'Angkor disparaît par l'invasion des thaïs, au XVe siècle.

L'art du Champa présente beaucoup de similitudes avec l'art khmer.

Le musée Guimet recèle encore bien des trésors d'autres pays en particulier le Japon que nous découvrirons lors d'une prochaine visite.

L'hôtel Jacquemart-André

Edouard André naît le 13 décembre 1833 dans une famille de riches banquiers protestants originaire du Sud-Est de la France qui connût son apogée sous le Second Empire. A 18 ans, il entre à Saint-Cyr, dont il sort officier de l’un des régimes d’élite au service personnel de Napoléon III. Mais plus enclin aux fastes de la cour des Tuileries, il préfère démissionner. Il reprend en 1864 le siège de député de son père et décide alors de mener une vie très parisienne. En 1860, Edouard André débute sa collection avec de petites pièces d’orfèvrerie, de joaillerie, de céramique, des miniatures et des tapisseries. Il acquiert également des peintures des artistes de son époque tels que Delacroix, des peintres orientalistes et des paysagistes de l’école de Barbizon.

Dès 1860, Napoléon III a confié au préfet Haussmann la réalisation d’un vaste plan d’urbanisme qui modifie profondément la physionomie de Paris : des quartiers sont détruits et des axes rectilignes sont tracés de la périphérie vers le centre. Sur le boulevard Haussmann nouvellement tracé, Edouard André achète un terrain pour se faire bâtir un hôtel. La construction est confiée à Henri Parent. Ce dernier, écarté de la construction du nouvel Opéra au profit de son confrère Charles Garnier, va se surpasser dans la conception de cet hôtel. Henri Parent réalise, de 1869 à 1876, une vaste et belle construction très inspirée des modèles classiques par son plan parfaitement symétrique et par le décor de ses façades. La construction est en retrait de l'alignement des façades du boulevard haussmannien, créant ainsi une rupture qui attire l’attention. En 1876, l’inauguration de l’hôtel est un événement : les invités découvrent la rampe à double révolution de l’escalier, son équilibre improbable et la somptuosité des matériaux qui le composent. Ils saluent ce monument comme ils ont salué le foyer de l’Opéra que vient de construire Charles Garnier.

Édouard André décide de faire exécuter son portrait et fait alors appel à une jeune artiste déjà connue à la réputation de portraitiste à succès : Nélie Jacquemart. Nélie Jacquemart est née le 25 juillet 1841 dans une famille modeste et a suivi le parcours classique des jeunes artistes à cette époque : passage dans un atelier réputé, envois au Salon de sujets d’Histoire puis réception des premières commandes. Elle réalise l’un de ses premiers portraits en 1868, celui de la fille d’un grand éditeur parisien. En 1881, Edouard et Nélie se marient, un mariage de raison, conclu entre deux êtres très différents, lui protestant bonapartiste, elle catholique vivant dans un milieu royaliste. Leur union se révèle très réussie. Restés sans enfants, ils se consacrent entièrement à leur œuvre commune : leur collection d’œuvres d’art.

Edouard André s’éteint à l’âge de 60 ans, laissant sa femme désemparée. A cette disparition naturellement douloureuse, s’ajoute une situation qu’elle ne pouvait pas prévoir : un procès intenté par la famille de son mari pour récupérer sa fortune. Peu avant sa mort, Edouard fait rédiger un testament léguant l’ensemble de ses biens à sa femme. Accusée de détournement d’héritage, elle finit par remporter le procès.

Nélie décède le 15 mai 1912. L’hôtel particulier devient alors propriété de l’Institut de France, par un legs fait par sa propriétaire quelques mois plus tôt. Dans son testament, elle affirme son souci d’ouvrir les collections au plus large public pour enseigner à la foule des visiteurs. Elle demande à l’Institut de France, son légataire, de respecter ses aménagements. Le 8 décembre 1913, le musée est inauguré en grande pompe par le président de la République en personne, Raymond Poincaré. Le succès est immédiatement au rendez-vous. L'Institut de France organise tous les ans deux grandes expositions temporaires. Cette année il s'agit d'une exposition consacrée à Botticelli.

La visite de l'hôtel permet d'admirer ce bâtiment typiquement XIXe siècle avec de nombreux objets d'art, tableaux et tapisseries.

L'exposition temporaire Botticelli

Alessandro Filipepi, plus connu sous le nom de Sandro Botticelli (vers 1445-1510), est un des artistes les plus connus de la Renaissance italienne. Célébré pour son extraordinaire puissance de création, il développa une manière toute personnelle, aussi harmonieuse qu'audacieuse, qui rencontra un vif succès dans la Florence de la fin du XVe siècle. Sachant s'adapter aux attentes variées de sa clientèle, il fut un peintre et dessinateur de génie qui, en entrepreneur averti, sut alterner créations originales et uniques avec des compositions que pouvait décliner en série son atelier, selon une pratique typique du Quattrocento.

L'exposition présente Botticelli tel qu'il fut en son temps: un immense artiste autant qu'un designer de talent, en mettant à l'honneur le travail de l'atelier au service de la vision créatrice du maître, un atelier qui fut à la fois un laboratoire foisonnant d'idées et un lieu de formation et de transmission du savoir.

Botticelli s'est certainement formé tout d'abord chez un orfèvre auprès de qui il apprend le dessin avant d'intégrer vers 1460 l'atelier de Fillipo Lippi (1406-1469), l'un des grands peintres du Quattrocento. A ses côtés, le jeune Sandro acquiert la technique de la peinture de chevalet mais également celle de la fresque. L'œuvre de Fillipo étant surtout religieuse, le jeune Sandro peint des sujets de dévotion, particulièrement des Vierge à l'Enfant. Elève prodige, il acquiert rapidement une grande maîtrise des volumes et des couleurs. S'il assimile parfaitement les leçons de son maître, il déploie cependant une vision déjà très personnelle. C'est sans doute vers 1467 qu'il ouvre son propre atelier à Florence dans la maison paternelle. Il s'affranchit peu à peu de l'influence de Lippi pour développer un style tout personnel profitant de la leçon de ses contemporains tels qu'Andréa del Verrocchio. Il règne alors une grande effervescence artistique à Florence et les échanges entre ateliers sont nombreux. Botticelli élabore progressivement son style si caractéristique.

Outre les sujets de dévotion, une grande partie de la production de l'atelier de Botticelli est constituée de "peintures d'histoire", qui ornent traditionnellement les demeures patriciennes des Florentins. Leur mode d'exécution reflète la répartition des tâches entre le chef d'atelier, qui conçoit la composition des scènes, et ses collaborateurs, à qui il délègue l'application des couches picturales sur le support ou le report de son dessin préparatoire. Le plus doué et le plus célèbre de ses élèves est le fils de son ancien maître, Filipino Lippi, qu'il recueille peu après la mort de son père. Cette répartition des tâches n'exclut pas que le maître intervienne lui-même sur un panneau en cours de réalisation. Une autre pratique courante d'atelier est la copie, qui relève autant d'un exercice d'apprentissage que d'une stratégie commerciale. Certaines compositions, très appréciées du public, sont ainsi diffusées plus largement. Les conditions d'exécution des œuvres au sein d'un atelier au XVe siècle remettent en cause la notion d'œuvre originale telle que nous l'entendons aujourd'hui.

Depuis le début des années 1470 Botticelli déploie aussi son talent dans le domaine des arts appliqués, témoin de son intérêt pour une expression artistique variée. Le caractère linéaire du style de Botticelli, hérité de sa formation d'orfèvre, rend ses dessins particulièrement transposables dans des techniques diverses, ce qui lui permet de déployer ses talents à l'ensemble de la production artistique de son temps. S'il ne réalise pas lui-même les broderies, tapisseries et autres marqueteries dont il conçoit les modèles, il supervise parfois l'exécution qu'en font les artisans spécialisés. Pour différents supports Botticelli puise à un large répertoire de figures qu'il adapte en fonction des procédés utilisés. Pratique courante au sein des ateliers du Quattrocento, cette stratégie de duplication et de réutilisation des modèles nécessite un perpétuel effort d'innovation pour ne pas lasser. Botticelli y excelle grâce à une inventivité sans cesse renouvelée.

Botticelli et les Médicis : entrepreneur audacieux, Botticelli se distingue dès le début des années 1470 sur la scène artistique très compétitive de Florence. Son style lui attire rapidement les faveurs des Médicis, riche famille de banquiers dont l'apogée se situe à la période de Botticelli avec le gouvernement de Laurent le Magnifique (1469-1492). L'activité de portraitiste de Botticelli est connue à travers une dizaine de tableaux, les têtes peintes sur les murs de la Chapelle Sixtine et quelques effigies sur des panneaux à sujet sacré. Le plus célèbre est sans doute le portrait de Julien de Médicis.

L'intérêt de Botticelli pour la Divine Comédie de Dante (1265-1321) coïncide avec un enthousiasme renouvelé des humanistes proches des Médicis pour le poète. Botticelli est associé à deux entreprises importantes: l'impression de la première édition illustrée du poème, pour laquelle il aurait fourni plusieurs dessins, et un cycle inachevé de 92 dessins, dont la destination reste inconnue. Ces dessins révèlent les préoccupations intimes d'un artiste sensible à la culture de son temps.

Vénus, le mythe humaniste: à partir des années 1470 Botticelli vit une période de création intense qui durera plus de vingt ans et fera de lui un des plus grands artistes de son temps. Les grandes scènes mythologiques, comme La Naissance de Vénus, incarnent cette synthèse entre le mythe antique et la philosophie poétique des humanistes florentins. Fidèle à la tradition de réemploi de motifs, Botticelli reprend la figure centrale de Vénus pour en renouveler la représentation. Ainsi de nombreuses "belles femmes nues" de la main du maître ornaient les belles demeures florentines. Deux Vénus sont exposées ici , l'une de Berlin, représentante des Vénus dites pudiques, et l'autre de Turin plus simple probablement le fruit d'une collaboration de l'atelier. Cette production s'accompagne, dans les années 1480-1490, de "portraits allégoriques", en réalité des figures féminines évanescentes, comme en témoigne le portrait dit de la Belle Simonetta.

Botticelli illustrateur: outre le cycle de dessins consacrée à la Divine Comédie, Botticelli est aussi l'auteur d'un manuscrit réunissant Le Chansonnier et Les Triomphes de Pétrarque, qui permet de mieux connaître l'activité de dessinateur de l'artiste à un moment assez précoce de sa carrière. Il s'agit sans doute du premier exemple avéré d'un dessin composé de figures, exécuté sur parchemin et inspiré d'une source littéraire. L'application maladroite des pigments bleus et violets, qui occultent de nombreux détails, trahit une intervention ultérieure. Témoin du rayonnement de Botticelli, ce dessin a sans doute inspiré la composition d'un panneau de Jacopo del Sellaio, l'un de ses collaborateurs occasionnels, également présenté ici.

La peinture religieuse, du tondo au retable: les peintures rondes, appelées tondi, sont très en vogue dans la seconde moitié du XVe siècle à Florence. Botticelli excelle dans la maîtrise de ce format complexe, innovant dans le choix des compositions et les jeux de perspective. Ces tableaux ronds, qui se prêtent bien aux sujets religieux destinés à la sphère privée, témoignent aussi de certaines pratiques d'atelier. Pour répondre aux commandes qui se multiplient, Botticelli s'emploie à rationaliser sa production. Le recours aux livres de modèles et aux cartons préparatoires lui permet de déléguer à ses assistants l'exécution des tableaux tout en se réservant la conception seule, comme le montrent les variantes de La Vierge et Saint Jean-Baptiste adorant l'Enfant. C'est pourquoi on peut qualifier Botticelli de designer, en sens moderne du terme, puisque c'est l'invention, toujours renouvelée, qui est au cœur de l'œuvre.

Comme le tondo, le retable joue un rôle fondamental dans l'économie de l'atelier de Botticelli. Placé dans l'espace public d'une église ou une chapelle, il fait partie des commandes les plus prestigieuses qu'un artiste puisse recevoir. Par sa visibilité il assure la diffusion du style et des inventions du peintre. Le Couronnement de la Vierge, destiné à l'église de Volterra, réalisé par Botticelli et son équipe dans les années 1490, alors que l'artiste a atteint la pleine maturité de son art, en est un bon exemple.

La dernière manière: une esthétique savonarolienne ?

A la fin des années 1480 le pouvoir des Médicis est ébranlé par les sermons apocalyptiques du moine Savonarole et leur incidence violente sur la population florentine. Après la chute des Médicis, une nouvelle république s'installe en 1494. Savonarole occupe une place de plus en plus importante au sein de la vie publique jusqu'à sa condamnation à mort en 1498. La question de l'adhésion de Botticelli au mouvement savonarolien fait toujours débat. L'esprit créatif du peintre ne pouvait que réagir vivement aux visions prophétiques du moine. Les dernières années sont marquées par une emprise plus grande de l'atelier sur l'activité du maître qui, relativement âgé et affaibli, ne peut sans doute plus contribuer autant qu'il le voudrait à la réalisation de ses œuvres. Les variantes d'atelier tentent de perpétuer la vision originale de Botticelli sans réussir à en conserver toute la grâce. C'est dans ce contexte qu'après avoir incarné un art résolument "moderne", Botticelli tombe dans l'oubli, pour être finalement redécouvert au XIXe siècle, avec une fortune artistique qui ne s'est pas démentie depuis.