Parcours spectacle saison 2017-2018

Quel bonheur de retrouver ce spectacle dont nous sommes, au Théâtre Le Public, si fiers. Et l'aventure repart pour une quarantaine de dates. En Belgique et en France, dans des lieux prestigieux, comme La Maison de la Danse, à Lyon.

C'est ce soir la première dans le rôle de Emcee d'Antoine Guillaume, qui s'avère magique et très différent de Steve Beirnaert qui a joué le rôle jusqu'alors. Mais aussi de Didier Colfs qui reprend celui joué par Guy Pion.

Un musical célèbre et jamais vu... Cela devient rare. Le spectacle se joue dans une boîte de nuit réaménagée en plein port d'Anvers. Cela convient bien, je crois à ce type de spectacle déjanté. Mes appréhensions - je ne peux m'empêcher d'en avoir - vont se révéler vraies. Cela a dû être moderne il y a quarante ans, mais cela ne choque plus personne. En plus, ce musical n'est pas dans notre culture. Et donc il faut nous en expliquer toutes les règles au départ: crier quand on cite le nom de certains personnages, jeter du riz quand on nous le dit, ... Cela devient très vite, à mes yeux, artificiel. Mais bon.

Par contre la distribution est très très efficace. Cela danse et chante parfaitement. Cela permet donc de passer un vrai bon moment.

Avec: Laurenz Hoorelbeke (Dr. Frank-N-Furter), Shana Pieters (Janet Weiss), Nordin De Moor (Brad Majors), Matthew Michel (Rocky), Sébastien De Smet (Riff Raff), Jasmine Jaspers (Magenta), Maja van Honsté (Columbia), Koen Van Impe (Verteller), Sven Tummeleer (Eddie en Dr. Scott), Mart van den Hout, Pieter Casteleyn, Sofie De Schryver, Floris Devooght, Line Ellegiers, Helle Vanderheyden, Saïn Vantomme, Kenny Verelst en Baptiste Vuylsteke

Un spectacle étonnant car il pose des questions sous un angle inhabituel. Il confronte l'individu à la grande Histoire, questionne si l'Homme (ou la femme) est enfermé(e) dans la multitude. On n'est pas loin de l'argumentation de "Eichmann à Jérusalem"... Une femme se demande, quand elle découvre que son mari a dirigé Treblinka - et surtout lorsqu'elle conscientise ce qu'a été la réalité de Treblinka - si elle n'aurait pas du lui demander de choisir entre elle et Treblinka. Ou plus tard quand elle se demande si son mari n'a pas fait le choix d'obéir en acceptant la direction de Treblinka plutôt que de refuser et de mettre en danger sa famille.

Janine Godinas est, comme toujours, fabuleuse. Car elle laisse de la place à nos interrogations de spectateurs. Elle sème le doute en nous en jouant un personnage aux multiples facettes.

De Nicole Malinconi / Mise en scène Jean-Claude Berutti / Avec Janine Godinas.

Waow! C'est rare de se prendre une pièce comme cela dans la gueule. Rien de choquant. Rien de révolutionnaire. Non. Rien que l'histoire vraie de ce couple de norvégiens dont la volonté et l'obstination est à la base des accords de Paix d'Oslo en 1993 entre Palestiniens et Israéliens, entre Arafat et Rabin. Il y a 25 ans déjà.

Trois heures où l'on se prend une claque politique. On voit le courage de ces gens qui osent faire un premier pas vers l'autre. Cet autre qui n'a de différent de soi-même que les à priori qu'on en a, ou le poids d'une longue histoire. Un moment il faut casser la ligne tracée. Oser se reposer les questions existentielles. Oser faire un reset sur ses certitudes.

Dur aussi car on sait que les accords d'Oslo, même si ils ont apporté d'immanquables améliorations, n'ont pas apporté la paix.Mais ce que j'aime avant tout dans cette pièce, c'est que l'on ressent l'humanité de tous. Et que les choses redeviennent possibles quand un humain parle à un humain. Et pas un état à un état. Un religieux à ... J'aime à cette naïveté salvatrice de croire en la grandeur du dialogue entre humains.

Cette pièce du National Theatre (transférée maintenant dans le West End) mérite bien son Tony Award de Best Play 2017.

Il y a des spectacles que l'on va voir parce que c'est dimanche après-midi et qu'il n'y a rien d'autre à voir. On se rassure en se disant que c'est dans un théâtre où on a vu American Idiot, que c'est un petit théâtre plein de créativité, que sur la façade on affiche en grand des ***** élogieux, ... Mais...

Mais c'est du second degré et j'ai un problème personnel avec le second degré. J'ai souri deux fois à "Book of Mormon, et j'ai détesté Aladdin il y a deux jours. Et pourtant c'est suite à la rencontre avec la Cie Jean Bertoche (Pierre Pigeolet, Marie Hélène Remacle, Rési, Michel Hinderyckx, Monia Douieb, ...) que j'ai fondé une boîte de prod et suis rentré au Théâtre Le Public. Ils étaient les rois absolus du second degré.

C'est dire avec quel empressement je me suis assis au second rang un dimanche à 15h pour voir un musical qui se déroule dans des égouts. En plus, ma voisine canadienne me fait la conversation, en anglais. Pourquoi n'est-elle pas québécoise?

Et bien, une fois les lumieres de la salle éteintes, il aura fallu moins de une minute pour avoir mon premier éclat de rire. Qu'est ce que c'est bon de rire quand on ne s'y attend pas. Et moi et la canadienne et les 170 autres spectateurs de cette petite salle on n'a plus arrêté d'hurler de rire.

Pendant deux heures, du vrai second degré. Déjanté. Pas fabriqué dans une usine à clichés. Le second degré ne fonctionne que s'il surprend, si on ne l'attend pas. La musique est très rock, ce que j'adore. Les 5 artistes du cast sont époustouflants tant par leur jeu que par leur danse que par leur chant. Et même s'ils sont anglo-saxons, le talent cela reste impressionnant.

Ca continue mes frustrations. En fait depuis que l'on tente, à notre petit niveau, de lancer une tradition de musicals de qualité au Festival Bruxellons!, je suis obsédé par le fait de me rendre compte de CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE en montant un musical. Comment se rendre compte de cela? Et bien en voyant beaucoup de musicals et en tentant de tirer des leçons des flops, ou de ce que l'on n'aime pas. Parce que quand on voit Matilda, que dire, si ce n'est: "C'est parfait". Il y a peu de leçon à en tirer. Car faire ce qui est bien, c'est copier. C'est en se prémunissant des erreurs des autres (ou des siennes) que l'on se renforce. Comme quand on a appris à marcher.

Et bien, jusqu'à présent, à part Aladdin, ce voyage à Londres est vide d'enseignement à ce niveau. Car Everybody's talking about Jamie, est à nouveau, dans son genre, une totale réussite.

Comme dans Billy Elliot, le musical se asse au sein de la classe laborieuse du nord de l'Angleterre. Et il parle de quelqu'un qui veut suivre son chemin. Il s'agit ici d'un jeune gars de 16 ans qui veut être Drag Queen. Mais attention, on est loin d'une Cage aux folles moderne. Non, on ne se bat pas pour les Drag Queen, ou même l'homosexualité. Non, il ne s'agit de montrer un gars qui met une robe, mais de se demander ce que ce geste change. Jamie a le courage de poser cet acte, et cela change tellement de gens autour de lui. Sa mère, son amie musulmane, ... C'est bizarre pour nous, non anglo-saxon, de voir un personnage musulman voilé qui est le plus tolérant par rapport au trajet de Jamie. Cela replace de manière non verbale la religion à l'endroit où elle devrait toujours être: quelques chose d'intime et de personnel.

Le rôle de la mère est tenu par Josie Walker. Elle a entre autres, il y a 17 ans, tenu le rôle principal de Beautiful Game de Lloyd Webber.

Et bien voilà, un choc. Au milieu du deuxième acte, son fils claque la porte, lui reprochant de lui avoir menti. Elle chante alors une chanson It's my boy, qui est l'une des plus belles chansons que j'ai entendue d'une mère parlant de son fils. Un choc.

HE'S MY VOICE / HE'S MY CHANCE / HE'S MY SMILE / HE'S MY DAY / HE'S MY LIFE / HE'S MY PAIN / HE'S MY JOY // HE'S MY BABY / HE'S MY MAN / HE'S MY BOY

tout est dit. Non tout est chanté, parce que Josie Walker nous chante cela droit dans les yeux. Ses yeux pleins de larmes. Les nôtres pleins de larmes. C'est ça ce que l'on ne peut vivre que dans une salle de spectacle vivant.

Le cast entier est de très bon niveau, même s'ils sont pour la majorité à la sortie de l'école et font ici leurs débuts professionnels.

Je m'endors en écoutant la musique en boucle....

Bon, ici. C'est différent. C'est du Sondheim, donc tout sauf un jeune auteur qui débute. C'est au NT, donc pas une petite compagnie qui joue sous un pont (je t'aime Union Theatre). La presse est dithyrambique. La distribution est exceptionnelle (au sens d'exception): Imelda Stauton, Philip Quast, Tracie Benett pour ne citer que ceux dont je suis fan.

Alors, avouons-le, Follies, c'est pour moi une première. 2h20 sans entracte. Format spécial. On s'installe - premier rang du balcon de cette magnifique salle qu'est l'Olivier Theatre - et il n'y a plus que se laisser faire.

Cette œuvre est très bizarre et c'est sans doute ce qui la rend magnifique... Il y a d'une part des 'book songs' (des chansons qui participent à l'histoire) et d'autre part des chansons illustratives qui parlent de ce que furent les Follies. Les deux se télescopent. Pour mieux démonter, désarticuler des vies, des rêves de vies.

Tout se déroule dans un théâtre en ruine, à la veille de sa démolition, où est organisée une réunion des anciennes interprètes des «Weismann Follies», qui ne se sont plus vues depuis des années. L'histoire se concentre sur deux couples: Buddy et Sally Durant Plummer et Benjamin et Phyllis Rogers Stone. Sally et Phyllis étaient danseuses dans les Follies. Les deux couples sont profondément insatisfaits de leurs mariages. Buddy, un voyageur de commerce, a une aventure avec une fille sur la route; Sally est toujours aussi amoureuse de Ben qu’elle l'était dans sa jeunesse; et Ben est à ce point égocentrique que Phyllis ne peut que se sentir émotionnellement abandonnée.

Ce qui est terrible c'est que l'on ne passe pas doucement de l'espoir de la jeunesse au lourd poids de la vie réalisée au fil que le musical progresse. Non, les deux sont confrontés en temps réel, car tous les personnages ont leurs doubles jeunes (sorte de fantômes qui hantent les esprits et qui rappelle la réalité au-delà des mensonges) qui les observent ou qui interviennent ou qui revivent certaines scènes en direct. Et cette confrontation est terrible car elle ne permet aucune excuse. Les dialogues se font parfois entre un personnage et son double jeune, ou nous montrent parfois des faits du passé remontant à la mémoire d'aujourd'hui. La vie est terrible.

Mais tout est parfait dans cette version de Follies. Le cast est tout bonnement exceptionnel. Du premier rôle à la figuration dansante. La scénographie est époustouflante car totalement illustrative d'un monde qui a été et se rend compte qu'il n'est plus. Presqu'autant en ruines que les personnages. Les costumes sont fabuleux car, quelle que soit l'époque, ils semblent vouloir témoigner d'un rêve, d'un rêve de paraître à défaut d'exister. La lumière est sans faille car éclairer ce gigantesque plateau qu'est l'Olivier, en plus à deux époques qui se croisent et se superposent, est un vrai moment d'anthologie.

Il s'agit assurément d'une des plus grandes production musicales du NT de tous les temps.

Le seul problème? Je ne pense pas que l'on puisse profiter de tout en une seule vision. C'est trop dense. Vive donc le NT Live et ses captations pirates...

Nous avons accueilli ce spectacle par de très longues minutes d'applaudissement...

Passer du Dominion Theatre au Menier Chocolate Factory, c'est passer d'un théâtre de 2150 places à un autre de 180, soit une jauge divisée par plus de dix. Avant de voir le spectacle on peut se demander comment ils vont, dans ce petit endroit, arriver à recréer la magie du cirque.

Et bien, n'ayant jamais été déçu d'un musical au Menier, cela ne va pas commencer avec Barnum. Ayant "fréquenté" un cirque pendant plus de six ans, j'ai retrouvé au Menier cette ambiance totalement à part. Dans ce tout petit lieu, ils font tantôt exister une piste de cirque, tantôt une roulotte, tantôt un bureau ou une chambre. Mais tout est vrai. Tout est juste.

L'histoire de ce couple Barnum est magnifique, parce que c'est une histoire sans mensonge, sans semblant. Ou les faiblesses sont avouées.

Les danses sont souvent acrobatiques, circaciennes. Et il n'y a aucun de quatrième mur, fut-il circulaire. Les artistes parlent en permanence au public, laissant de la place au public. Jouissif, parce que cela est signe de partage. Ce qui est très cirque..

Une très belle soirée de plus passée au Menier.

Autant le dire tout de suit, ici encore, je me rends à ce spectacle avec un énorme à priori ... mais cette fois négatif. Ce genre d'humour décalé, qui a pour seul but d'être décalé, cela ne me fait pas rire en général.

Et bien, aucune surprise... Je n'ai pas beaucoup ri. J'ai souri quelques fois. Mais je trouve tout ceci artificiel, fabriqué. On voit les gags arriver. Alors, chose positive à souligner, le cast est de tout haut niveau. En effet, pour donner vie à ce livret insipide, il faut assumer. La palme va, selon moi, à Summer Strallen (Top Hat, Love Never Dies, Drawsy Chaperone, ...) dans le rôle de Inga, même s'il faut souligner l'abattage de Hadley Fraser dans le rôle de Frankenstein.

Woman in White, c'est une œuvre particulière chez Andrew Lloyd Webber, il s'agit d'un drame victorien. Elle a été créée à Londres en septembre 2004 avec un décor fait de projections prenant forme sur des panneau mouvants. Mais la technologie, révolutionnaire pour l'époque, n'était as au point. Quand on voit ce qu'ils font 15 ans plus tard dans An American in Paris!!! En plus Michael Crawford, qui jouait le rôle de Frosco, tombe malade à cause de son costume (énorme costume qui fait de lui un obèse et dans lequel il transpire abondamment). Il sera remplacé par Michael Ball. Une version modifiée sera proposée en juillet 2005. Mais c'était un "work in progress". La press night de la version 2 n'eut lieu que fin septembre. Le musical fut un peu mieux accueilli par la presse dans ce nouvel opus. Le spectacle fermera en février 2006. Pour ce grand retour de Lloyd Webber à la composition symphonique (après Whistle down the Wind et Beautiful Game), ce ne fut pas le succès espéré. D'ailleurs, à Broadway, le show sera éjecté après 109 représentations. un vrai flop. La star du show, Maria Friedman (Marian), a été diagnostiquée avec un cancer du sein pendant les previews et a donc souvent été absente. Est-ce une explication à ce flop? Pas sûr. Mais quoi qu'il en soit, rien ne s'est passé totalement normalement avec la création de ce musical.

Pour avoir vu, et fortement apprécié, la version originale (au-delà des problèmes techniques), au Palace Theatre, on peut se demander comment le spectacle va résister dans un petit théâtre. Le Charing Cross Theatre est une petite salle, sous la gare de Charing Cross. Mais cette salle n'a pas non plus les moyens d'un Menier Chocolate Factory.

Alain et moi, n'avons pas le même ressenti par rapport au spectacle. Il est beaucoup plus critique que moi: "Cela ne fonctionne pas". Je ne suis pas d'accord. D'abord, je comprends tout le spectacle. Parfaitement. Alors qu'il y a plein de non-dits, de personnages à double facettes, ... La scéno est très efficace permettant de véritables apparitions en centre-plateau. La lumière est fantastique. Il y a pour moi un problème de rythme, on passe d'une scène à l'autre trop rapidement. Alors que parfois entre une scène et l'autre il a un mois qi s'écoule. Mais ce musical a été écrit pour la scénographie de 2004, avec les projections sur les panneaux tournants. Cela habillait les inter-scènes et permettait de comprendre les saut de temporalité. Et ceci malgré, le nouveau script retravaillé par David Zippel et Andrew Lloyd Webber.

Alors, quoi qu'il en soit, les interprètes chantés étaient très impressionnants. Anna O’Byrne joue le rôle de Laura Fairlie. Elle avait le rôle principal dans le Love Never Dies australien, qui a poussé Lloyd Webber a fermer la version londonienne. Cette magistrale version est disponible en DVD. On s'écarte. Sa voix est prodigieuse. Il faut aussi souligner Carolyn Maitland (Marian Halcombe), Ashley Stillburn (Walter Hartright), Greg Castiglioni (Count Fosco) et Sophie Reeves (Anne Catherick).

Petit point faible? La musique ne se ressentait pas comme si symphonique qu'au Palace? Estce seulement un souvenir vieux de 15 ans, au moment où l'on commençait à découvrir Londres et les musicals? Who knows?

Quoi qu'il en soit, j'ai passé une très belle soirée. Ce qui, in fine, est le principal, non?

Ink, ce n'est pas rien. Créée à l'Almeida Theatre en juin 2017, il est transféré dans le West End immédiatement. Et il a plein de nominations pour plein de prix...

Le spectacle est très ... politique. Il s'attaque de front au journal The Sun. Qu'est-ce que The Sun? Actuellement c'est le journal le plus lu en Angleterre. Il fait le double de lecteurs du The Times, par exemple...

Le journal a été lancé en septembre 1964. pour remplacer le Daily Herald en perte de vitesse. The Sun, édité à quelque 3.500.000 exemplaires, tombe en quelques semaines à 1.200.000 et en 1969 n'en est plus qu'à 800.000. Un échec total. Il perd à ce moment 2 millions de Livres Sterling par an. Ce journal est cependant un soutien actif au Labor Party, les travaillistes anglais (gauche).

Rupert Murdoch rachète le journal. Et c'est toute l'histoire de la première année d'existence qui nous est racontée dans ce spectacle. Tout commence par Murdoch qui engage Larry Lamb et le nomme rédacteur en chef du journal. L'objectif qui lui est donné est très clair: en un an devenir le premier journal d'Angleterre. Quels que soient les moyens. Mais pas financiers, car l'équipe est quatre fois moins nombreuses que celle du Mirror. Comment y arriver? Et bien c'est ce que nous explique le spectacle. Le premier The Sun de l'ère Murdoch sort le 17 novembre 1969 avec comme gros titre: "Horse Dope Sensation" ("La sensation de l'héroïne"). Un beau début!

Des tas de règles sont mises en place. D'abord, se demander ce que les gens ont envie de lire. Et c'est la théorie des 5 W: What, Where, Who, When, Why.

Et puis cette reflexion en salle de redaction sur ce qui excite chacun des chefs de service... Et c'est bien sûr le sexe qui va ressortir en premier. Larry Lamb est persuadé que c'est d'ailleurs la première chose qui intéresse ses concitoyens. Alors, il vont inventer "la page 3". Qu'est-ce que la page 3 du The Sun? C'est très simple: une photo de charme. La première année, ce sera une jeune femme en TShirt moulant Et pour fêter le premier anniversaire du journal, elle sera Topless. Il faut dire qu'il fallait arriver à atteindre l'objectif d'être le premier journal d'Angleterre en un an. Cette discussion de la photo du 1er anniversaire est d'ailleurs un des moments importants de la deuxième partie du spectacle;

Aujourd'hui, plus de 9.000 jeunes filles seront passées par la page 3. Mais qu'en est-il du pari? Réussi? Raté? Et bien, au bout d'un an, The Sun sera devenu numéro UN.

C'est en ce sens que ce spectacle est fascinant. C'est qu'il met en place quelque chose qui va fonctionner. Et on se rend compte à quel point les choses peuvent être fabriquées, artificielles. Par exemple: pas de gros titre avec plus de 5 E. Et des tas de choses aussi hallucinantes les une que les autres, et qui ont fait de ce journal, le premier d'Angleterre.

Ne lisant pas le The Sun, je n'ai pu me rendre compte ce qu'un lecteur du journal ressentait à la vision de ce spectacle ravageur. Mais je ne suis pas sûr que je le lirais de la même manière.

Bon... Il est difficile d'aller voir un spectacle avec un pire à-priori négatif. Et pourtant, je n'ai jamais vu Les Parapluies de Cherbourg. Je déteste Les Demoiselles de Rochefort du même Michel Legrand, mais j'ai adoré Marguerite. Et bien je ne vais pas être déçu.

Maintenant je le sais, je déteste Les Parapluies de Cherbourg. L'œuvre. Dans le monde anglo-saxon on convient en général pour dire que l'on passe du langage parlé au chant dans un musical quand les mots ne suffisent plus. Alors comment peut-on chanter quelque chose d'aussi insignifiant que: "Il y a de l'eau dans la bouilloire". Oui. "Il y a de l'eau dans la bouilloire". Et qu'à la fin du musical, à la veille de Noël (il neige !!!), quand Geneviève est de passage à Cherbourg avec Françoise, la fille de Guy qu'il n'a jamais vue, et s'arrête par hasard dans sa station-service, Guy et Geneviève assument leurs conditions respectives et ne raniment pas la flamme ancienne; pendant que Geneviève repart, Guy accueille sa femme et son fils de retour. Et cela sans une seule parole. On chante "Il y a de l'eau dans la bouilloire" et quand un père voit pour la première fois sa fille, il reste muet. Pfffffff...

L'orchestre est très bien, les interprètes parfaits. Quel bonheur de retrouver Jasmine Roy qui m'avait ravi il y a fort longtemps dans Starmania. Il y a bien sûr Gaétan Borg et Frank Vincent qui seront dans notre Sunset Boulevard. Très bien tous deux. Sans oublier Romina Palmeri et Alexia Cuvelier.

Mais pourquoi programmer cette œuvre qui est née à ce point ringarde et désuète qu'il est facile à quelques intellectuels d'affirmer que cinquante ans après sa création, elle reste révolutionnaire.

Deux jours de suite, un musical en matinée. Après Anvers et son superbe Mozart!, nous voici en route pour The Little Mermaid. Il s'agit d'une superproduction (la scène doit faire plus de 30 mètres de large) signée Marmalade et présentée au Flanders Expo. La salle est à moitié vide (et je suis gentil). Vais-je assister à un bide? A un spectacle ultra-commercial artistiquement bâclé? Etonnant car il y a quand-même dans la distribution Hans Peter Janssens et Anne Mie Giels. Pour ne citer qu'eux. En plus, pour des "raisons techniques" notre représentation de la semaine dernière a été annulée et reportée à aujourd'hui... Raisons techniques ou salle vide? Quoi qu'il en soit, cela ne sent pas bon...

Mais dès les premières secondes, on assiste à un vrai grand show musical. Qualité du chant, de la mise en scène, des décors, des costumes, ... Et magnifique qualité du jeu et du chant. Rien à dire. On rit, on est ému. Et c'est très beau.

J'ai passé un très beau moment. J'ai ri. J'ai été ému. Que demander de plus pour un grand spectacle familial. Sans doute plus de public.

Depuis plusieurs années, Luc Petit et organise les "Nocturnales", des spectacles majoritairement visuels se déroulant dans de majestueux lieux de culte wallons.

De magnifiques numéros visuels s'enchaînent dans ce très beau décor naturel qu'est la cathédrale de Namur. Je l'avoue, mon athéise militant convaincu me fait qualifier les texte de "prêchi-prêcha bien pensant". Mais au vu des centaines de regards illuminés - adultes et enfantins - je dois avouer que cet avis n'était partagé que par moi-même.

Aller voir une revue, à priori, ce n'est pas la chose qui m'excite le plus au monde. Et bien, je sais depuis ce soir que je vais attendre avec une impatience la future Winterrevue 2018... Les 3h30 que j'ai passées à l'elckerlyck theater d'Anvers, sont simplement un festival de talent pur. Ca danse, ça chante, ça joue, ça improvise. Et tout est parfait. Tout est investi. Tout est cohérent. Sans se prendre au sérieux. Avec une autodérision absolue. Jouissif.

La figure de base est l'acteur Herbert Flack, une star des planches et écrans néerlandophones. Talent pu et autodérision. Tout ce que j'aime. A ses côtés, on retrouve l'humoriste Dirk Van Vooren. Ici aussi, on reste bouche bée. Il est plus que drôle. Il occupe le plateau et tient une salle entière. Le numéro à trois en fin de spectacle où ils élisent "l'homme le plus con de l'année" est inoubliable. On hurle de rire pendant un quart d'heure. J'ai aussi découvert le comédien (et magnifique chanteur) Patrick Onzia. Sans oublier Ann Van den Broeck qui chante et joue toujours aussi bien.

Il ne faut pas oublier Shana Pieters qu'on a eu le plaisir de voir éclore ces dernières années au Conservatoire Royal de Bruxelles, section néerlandophone. Ou encore Oonagh Jacobs qui sera dans notre Sunset Boulevard au Festival Bruxellons! et qui danse comme une déesse. Tout est investi jusqu'à la dernière phalange à tout moment. En fait, en Flandres, ils ont la modestie d'appeler cela tout simplement "être professionnels".

En dehors des moments de grand humour - quelle qualité d'écriture à côté de l'interprétation parfaite - citons ce moment où Patrick Onzia entonne ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen - ce qui constitue déjà un défi en soi. C'est prodigieux.

Les tickets pour 2018 sont en vente quand?

C'est toujours agréable de revoir un spectacle que l'on a adoré. On y redécouvre des tas de petites choses. Bien sûr, l'anglais passe mieux à la seconde écoute, mais ce n'est as la seule différence. Comme on connaît l'issue des personnages en fin de spectacles, on autrement attentifs quand les nœuds se nouent, quand certains personnages font des erreurs qui vont les faire se rapprocher des gouffres.

Mais c'est aussi très différent de revoir un spectacle que l'on a vu seul et d'y assister avec d'autres personnes, qui plus est entre autres son meilleur ami. Va-t-il être touché comme moi? Ne lui ai-je pas trop dit que c'était génial. Ne va-t-il pas être déçu?

Le spectacle est toujours aussi génial, avec ces tous jeunes artistes - l'ensemble doit avoir moins de 20 ans de moyenne d'âge. Seul bémol, l'understudy du rôle de la mère qi même s elle joue très bien, n'arrive pas à mettre l'émotion suffisante dans ses deux chansons, surtout It's my boy. Mais bon, ce n'est pas un drame. Cela donnera une raison de revenir une troisième fois, non?

J'arrive à 13h57. La fouille de mon sac. le détecteur métallique comme à l'aéroport. Et Koh Lanta commence. Nous sommes au troisième balcon. A chaque étage un ouvreur me dit : "Cela commence dans 40 secondes". A l'étage suivant, le suivant me dit: "Le spectacle commence dans 30 secondes"... Et ainsi de suite jusqu'au paradis:

Mais il y a des gens plus haut... Le théâtre est archi-plein. Plus une place de libre. C'est génial de se dire que depuis deux ans, des gens viennent voir un spectacle de 5h30... Non? Enfin, moi cela me rassure par rapport à l'époque dans laquelle nous vivons - où le président des Etats-Unis n'a plus le temps que d'envoyer des Tweet de 280 caractères - que des gens puissent rester ensemble dans une salle aussi longtemps.

Alors bien sûr il faut #keepthesecret. Mais quel putain de spectacle. La mise en scène est d'une complexité sans nom, car la magie y impose une rigueur absolue. Et pourtant, rien n'est mécanique, tout est incarné et tout parait ultra-fluide. Et les tours de magie s'oublient pour créer un univers totalement magique. Les murs deviennent mous, les balais volent, les acteurs changent de costumes à vue, apparaissent, disparaissent. Nous ne sommes plus à Londres mais véritablement à Poudlard, 20 ans plus tard... Harry Potter est dans la quarantaine.

Et son fils, Albus Potter, entre à Poudlard. Scorpius Malefoy, le fils de Drago Malefoy est l'autre principal protagoniste de cette pièce, et devient le meilleur ami d'Albus.

Le spectacle nous fait remonter dans le temps, au moment de la mort des parents d'Harry Potter. mais Chhhhhht. #keepthesecret. A la fin de la première partie, les acteurs ne viennent pas saluer. Apparaît seulement sur le décor un magnifique "... to be continued". Ce que l'on ressent à ce moment est la preuve de l'efficacité du spectacle; "quoi, Il va falloir attendre 2h30 pour voir la suite?". Alors que l'on est déjà dans ce théâtre depuis trois heures....

L'histoire entre Harry Potter, l'orphelin - qui n'a donc pas d'image paternelle - et son fils Albus est magique. L'un apprend ce que ce que veut dire d'être père, l'autre apprend à exister, même s'il est le fils d'une star.

Enfin, j'ai vécu cela comme une vraie expérience humaine que de partager cette journée avec 1.600 personnes. Il y avait une réelle communion collective salle-scène. Cela aussi c'est rare.

Je pourrais écrire des centaines de lignes sur ce spectacle magistral, mais la consigne est très claire et je suis d'accord à 100% avec cette consigne:

C'est évidemment très bizarre pour nous d'aller voir "Sunset Boulevard" en Angleterre avec toute l'équipe avec laquelle on va rêver et créer notre "Sunset Boulevard" à Bruxellons! cet été. Il faut donc avouer dès à présent que l'on n'y va pas de manière neutre, pour assister simplement à un spectacle. Autre "détail" - même si le mot ne convient pas du tout - mais qui a suscité en moi une attente démesurée: le rôle de Norma Desmond est joué par Ria Jones. Qui est Ria Jones? Je l'ai vue pour la première fois en avril 2016. Nous allions voir "Sunset Boulevard" avec Glenn Close dans le rôle principal. Et ce soir-là, Glenn Close était malade. Ria Jones a du assumer son rôle d'understudy et affronter une salle qui n'avait pas envie de la voir elle mais la magique Glenn Close. Lors de l'annonce d'avant-spectacle, remous dans le public. Mais trois heures plus tard, c'est une salle debout qui hurle tellement l'interprétation de Ria Jones a été sublime. Elle salue en larmes. Quel événement... Et donc, quel impatience de retrouver Ria Jones un an plus tard, dans une version créée pour elle. La déception va être à la hauteur de l'attente!

La scénographie est un non-sens absolu. On est majoritairement au studio. Même quand les meubles de Norma sont présents, ce qui donne une sensation de flou permanent, ou d'artificiel, ce qui est pire. Les costumes sont hideux. Surtout ceux de Norma. Adam Pearce qui joue Max Von Mayerling est très faible. Il n'incarne rien. Ni passé, ni présent, ni futur. Mais le pire, c'est Joe, joué par Danny Mac.

Même Ria Jones n'est pas émouvante. On n'y croit pas. En fait on s'en fout!

La seule chose vraiment positive est que pour la première fois on se rend compte de l'existence réelle de Artie, le fiancé de Betty et ami de Joe. Mais c'est maigre comme satisfaction... Avouons-le.

La journée en plus se terminera difficilement. Daniel, fatigué, décide de rentrer à Londres en taxi plutôt qu'en train avec nous. Il n'arrivera jamais à temps pour prendre l'Eurostar et devra dormir à Londres.

Un petit concert à 11h du matin avec Deborah De Ridder et Hans Peter Janssens autour des 'musicals'... Cela ne se refuse pas, hein? Quoi qu'il en soit, rdv chez Simon à 21h15, chez Claire à 9h20, et en route vers Dendermonde. A quelle heure le premier arrêt sur l'autoroute? Jamais.. On fonce. Et du coup, on arrive 40 minute avant le début du concert. On a le temps d'u petit café. Ou d'un capuccino, à "Cour et Jardin", le café du CC Belgica de Dendermonde.

A onze heure, la salle se remplit doucement. Très beau CC... Et tout de suite, une surprise. La scène est encombrée d'un cinquantaine de chaises. Il semble que Déborah et Hans Peter vont chanter avec un grand orchestre! Ce sera le Dynamic Symphonic Band.

Et on va en avoir plein les yeux et les oreilles: Deborah commence avec Miss Saigon, Hans Peter enchaîne avec The impossible Dream de Man of La Mancha. Et puis tout de suite, le premier duo: Dangerous Game de Jekyll & Hyde. Putain, quel niveau! On est au deuxième rang, quel bonheur. Un long et très beau intermède musical, Saga Candida. On peut admirer le talent et la cohérence de cet orchestre constitué majoritairement d'instruments à vents. Deborah va ensuite enchaîner avec une chanson de Evita. Quelle bonheur de la retrouver dans ce musical qu'elle a si bien défendu chez nous au Karreveld. Elle va d'ailleurs le rappeler en live, signalant notre présence dans la salle. Au talent se rajoute l'élégance.

En route donc pour Don't cry for me Argentina et Buenos Aires d'Evita. Rien n'a dire... Parfait. Que faire après cela. Et bien, un petit tour du côté de Les Misérables: Bring him home par Hans Peter suivi de I dreamed a dream par Deborah. Voilà, ça c'est fait !!!!

Il n'y a que les allemands pour succéder à cela. Alors, en route pour Ontembare Begeerte de Dans der Vampieren, par Hans Peter Janssens. Deborah va détendre l'atmosphère avec Don't rain on my parade de Funny Girl. Et on va terminer en pleine puissance avec The Music of the Night de The Phantom of the Opera suivi par un duo exceptionnel: Totale Duisternis de Dans der Vampieren.

La salle bondit debout pour applaudir. C'est la plus belle manière de dire merci. Les deux artistes doivent s'enfuir à Anvers, pour leur deuxième concert de la journée. Comme nous.

Et bien putain...

Quand on travaille dans le monde du spectacle, on va souvent voir des spectacles ... "parce qu'il faut", alors qu'on resterait bien chez soi. C'était le cas ce soir avec le musical "Drowsy Chaperone" au Théâtre Saint-Michel. Et bien ce fut une MAGNIFIQUE SOIREE.

La mise en scène de Guillaume Possoz est magique: rythme, inventivité, respect, intelligence, ... Orchestre impeccable. La troupe est au top, tant en chant qu'ne danse qu'en jeu théâtral. Chapeau bas particulier à Thibaut Radomme qui joue le rôle de "L'homme".

Ils donnent des lettres de noblesse au théâtre amateur. Je suis très impressionné par la somme de travail qu'il a fallu pour en arriver là: traduire le texte en français, répéter les trois arts (chant, danse, jeu), intégrer les claquettes, sans oublier, la scéno, les lumières, le son, l'orchestre, ... Je me demande très naïvement comment c'est possible d'en arriver là. A un tel niveau. Je suis admiratif.

Je n'aurais pas vu la dernière de la série, j'aurais immédiatement racheté de nouvelle places pour le revoir.

Un choc... C'est toujours bizarre d'aller voir un spectacle du théâtre dans lequel on travaille, pour lequel on a fait le budget, dont on a croisé les comédiens en répétitions. C'est d'autant plus bizarre quand ce sont des amis qui ont écrit et qui jouent dans ce même spectacle. Détestant assister aux premières des spectacles-maison, je traine souvent pour aller m'asseoir dans une des salles, sur un strapontin, pour ne pas faire vrai spectateur.

Nous voici donc dans la dernière semaine de représentation de "Moutoufs" et je décide in extrémis d'assister au spectacle, fuyant "Bord de mer" qui risque de trop m'ébranler. Et pourtant, je vais vivre un choc... Un vrai!

J'adore les spectacles où les artistes ne se bornent pas à nous donner une leçons de morale, où ils ne nous donnent pas une liste d'idées auxquelles il est de bon ton d'adhérer. Ici, rien de ça. Ce spectacle est extrêmement fort parce qu'il se borne à poser des questions sans y répondre. Des questions extrêmement simples. Et que les comédiens ne jouent rien. Ils parlent d'eux-mêmes. Jasmina par exemple à qui l'on demande pourquoi elle a donné des noms bretons à ses enfants. Et Jasmina n'a pas de réponse. Ils se demandent pourquoi ils ne parlent pas arabe. Peut-on soi-même transmettre une part de la culture marocaine à ses propres enfants sans parler un mot d’arabe ? Les couples mixtes ne peuvent-il réussir que si l’un des deux renonce à sa propre culture ? Peut-on être musulman en mangeant du porc et en buvant de la bière ?

Ces cinq artistes ont un point commun: être né d’un père marocain et d’une mère belge. Aujourd’hui, comme les saumons remontent la rivière, leurs pères sont retournés dans leur pays natal, et c’est au tour de leurs enfants de remonter à la source pour comprendre ce qui a forgé leur identité. Ils ont récolté les témoignages de leurs parents, ont dévidé le fil de leurs propres souvenirs, ont déterré quelques photos d’archive, pour tisser une écriture polyphonique brassant mille questions passionnantes.

Il y a aussi un vrai questionnement sur le couple-mixte, sur sa viabilité. Mais la vraie interrogation de ces cinq moutoufs est "Qui sommes-nous"? Et vous savez ce qui rend ce spectacle magistral, c'est que moi qui suis bruxellois depuis 25 générations - dont pas moutouf pour un gramme - j'en arrive à me poser la même question: qu'est-ce qui a fait ce que je suis? On est avant tout le moutouf de soi-même.

Le trajet de spectacle a été éprouvant pour ces artistes à la recherche de leurs racines, de leur vérité. La maman de Jasmina et Monia est décédée durant les répétitions. Comme celle de Myriem. Le papa d'Othmane a été atteint d'un cancer. Ils en parlent à la fin du spectacle face à une vidéo de vaguelettes s'échouant inlassablement sur une plage. Les vagues envahissent nos yeux et nos âmes. Ils ne reste plus qu'à applaudir. A dire merci. Et à partir tenter de répondre à toutes ces questions.

Alors là.... Comment dire?

Quand je prépare mes voyages à Londres, je regarde souvent ce qu'il y a avoir au théâtre, ce qu'il faut voir ou avoir vu. Pourquoi? Parce que passionné de musicals, là je suis au courant de tout. Je n'ai pas besoin de conseil (je sais il faudrait que j'aille lire la définition de "prétentieux" au Robert). Et bien pour ce petit week-end, il restait à choisir le spectacle du vendredi soir... Qu'aller voir ou revoir? Grâce à une loterie, on a obtenu des super-places à 25£ au Dominion (géant de plus de 2000 places) pour Bat out of Hell. C'est le "Meilleur Musical de l'année, je sais. Mais ça aussi on l'a déjà fait. Et puis, la salle est pas pleine, des top places à 25£, c'est pas bon signe.

Mais alors là, comment dire?

Les minutes qui précèdent le début d'un spectacle, nous, "gens de métier", on observe souvent le plateau ouvert, la technique... Ici, c'est clair: 25 caissons de basses, des bananes prêtes à envoyer du son dans 5 Forest National, ... Ca va envoyer du lourd. Mais, les seuls souvenirs que j'ai de Bat out of Hell, viennent de a jeunesse et de cette musique de Jim Steinman et Meat Loaf. Jouissif, mais n'ai-je pas passé l'âge? Je continue à adorer "Dance des Vampires" du même Jim Steinman et j'ai pris mon pied sur "American Idiot". On va voir. De toutes façons, ce n'était que 25£.

Et bien... J'ai vu. Et entendu. Et ai peut-être dit 40 fois: "Putain !!!!". Et les quatre points d'exclamation sont une tentative inefficace de retranscrire mo ressenti. La vie est belle: quand on a vu plus de 800 musicals et en 3 heures se faire chopper comme ça, en ne pouvant conclure que "Cela faisait longtemps que je n'avais pas vu une vraie création!". Le metteur en scène est d'une créativité inimaginable pour nous transmettre un ressenti, un sentiment, une idée, .... La lumière est magnifique et, c'est rare, pas seulement belle mais signifiante. Que dire de la scéno? Magnifique, cette table de buffet qui se transforme en voiture avant de tomber dans la fosse d'orchestre. Magnifique ce tunnel, ou cette fosse à eau où plonge un artiste. Magnifique...

Moi qui déteste la vidéo dans 99% des spectacles où elle est utilisée et qui la tolère dans le % restant, je suis fasciné de ce que les six projecteurs vidéo apportent ici à la scéno et à la mise en scène: seconde lecture, trouble des esprits, ... Waoooow. Du grand art.

Le niveau de chant est aussi au top. Parce qu'il faut envoyer, c'est du Jim Steinman! Mais il faut aussi séduire et émouvoir tout en douceur à d'autres moments.

Et puis il y a ces moments de grâce: par exemple celui où les deux couples jouent ensemble partageant la scène alors qu'ils ne se trouvent pas au même endroit. Cela nous permet de comparer les deux approches amoureuses. Et le moment magique où les deux jeunes s'embrassent et où la mère au même moment tourne la tête pour éviter les lèvres de son mari.

Je pourrais écrire des heures sur cette surprise, mais comme je vais certainement venir le revoir, j'en parlerai la prochaine fois. Quel fossé avec les deux derniers spectacle que j'ai vu dans cette salle: Bodyguard et An American in Paris.

Et bien voilà... En route pour la troisième représentation. Et quelle est la première chose que l'on fait quand on arrive à l'Apollo Theatre pour voir Jamie? On s'assure que c'est bien Josie Walker qui joue le rôle de la mère. Ouf... C'est le cas. Je ne réagis jamais comme cela. Même quand Glenn Close a été remplacée dans Sunset par son understudy à l'opéra de Londres, j'ai adoré le show. Mais ici, on peut presque dire qu'il n'y a qu'elle qui peut chanter "He's my boy", tellement elle l'incarne. Elle a créé le rôle au Sheffield Crucible en février 2017 et l'incarne depuis son transfert à Londres.

Moment de grâce...

HE'S MY VOICE / HE'S MY CHANCE / HE'S MY SMILE / HE'S MY DAY / HE'S MY LIFE / HE'S MY PAIN / HE'S MY JOY // HE'S MY BABY / HE'S MY MAN / HE'S MY BOY

Je pleure. Mon voisin, un inconnu, sanglote. On touche à l'essentiel. Le rapport filial. Indestructible. Plus fort que tout. Et comment le dire plus simplement que par ces quatre mots: HE'S MY BOY. Tout est dit. C"est rare une telle communion dans une salle de spectacle.

Mon commentaire est injuste. Car du talent, il y en a bien au-delà de Josie Walker. John McCrea est magnifique dans le rôle principal. Et j'ai une tendresse particulière pour Lucie Shorthouse, dans le rôle de l'autre élève qui tente de vivre sa différence, celle d'une fille musulmane dans un monde où cela peut être "suspect" selon de nombreux commentateurs très différents.