Londres déc '24 - janv '25

Préparer ce qui devient aujourd'hui une habitude - mes deux semaines londoniennes - est déjà un vrai plaisir en soi. Ce sera donc ... 36 spectacles. C'est à la fois beaucoup, mais peu. C'est peu parce que, sur ces 36 spectacles, il n'y en a que 4 que j'ai déjà vus. Tout d'abord, Moulin Rouge!, mais cela devient une tradition depuis 3 ans pour le 31 décembre. Ensuite, Harry Potter and the Cursed Child ... En presque 8 ans et demi de présence au Palace Theatre, je ne l'ai vu qu'une fois, le 20 janvier 2018 avec Alain et Damien... de l'arrière du troisième balcon sur le côté. J'exagère? La preuve en photo:

Cette fois, je suis au milieu des stalls!!! Je vais aussi revoir un de mes coups de foudre de l'an passé: la pièce Stranger Things au Phoenix Theatre. Enfin, je retourne au Bridge Theatre pour la dernière de Guys & Dolls. Ce petit bijou aura tenu l'affiche deux ans au Bridge.

Tout le reste, soit 32 spectacles, c'est du nouveau. Il y aura trois Shakespeare (The Tempest mis en scène par Jamie Lloyd, A Midsummer Night's Dream, transfert de la RSC au Barbican, et Merchant of Venise, une version de la pièce transposée en 1936) mais aussi 5 pantomimes, car ce sont les fêtes. Je vais aussi enfin réussir à voir Operation Mincemeat, l'Olivier Award du meilleur musical, qui se joue dans le petit Fortune Theatre où s'est joué pendant 34 ans The Woman in Black.

Autre particularité, je suis très impatient de voir deux petites formes de spectacles que j'ai vues dans d'imposantes versions: The Producers joué au Menier Chocolate Factory (180 places) que j'avais vu au Drury Lane en 2004 et Oliver! joué au Gielgud Theatre (990 places) que j'avais vu au même Drury Lane en 2008.

Je vois aussi deux spectacles de la RSC (Royal Shakespeare Company). Cela faisait longtemps.

J'ai vu beaucoup de revivals de spectacles de Lloyd Webber: Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat (1968), Jesus Christ Superstar (1970), Evita (1976), Tell Me on a Sunday (1979), Cats (1981), The Phantom of the Opera (1986), Aspects of Love (1989), Sunset Boulevard (1993), Whistle Down the Wind (1996) et The Beautiful Game (2000). Mais j'ai aussi vu les versions originales de The Woman in White (2004), Love Never Dies (2010), The Wizard of Oz (2011), Stephen Ward (2013), School of Rock (2015) et Cinderella (2021). Je n'ai pas vu The Likes of Us (1965), Jeeves (1975) et Cricket (1986). Il faut dire que Jeeves est une pièce de théâtre qui a fait un flop, que The likes of Us n'a jamais été joué par des professionnels et que Cricket, spectacle de 30 minutes écrit pour les 60 ans de la Reine Elisabeth, n'a été joué que 3 fois... Et je n'ai pas été invité aux 60 ans d'Elisabeth II. Il est donc un peu normal que je ne les ai pas vus.

Mais il en manque un à la série: Starlight Express, cette folie écrite en 1984 qui raconte l’histoire d’une jeune mais obsolète locomotive à vapeur. Tous les acteurs sont sur patins à roulettes et il y a des pistes qui traversent toute la salle. Le spectacle s'est joué pendant 18 ans (du 27 mars 1984 au 12 janvier 2002, soit 7.409 représentations) à l'Apollo Victoria Theatre, ne s'arrêtant qu'avec le manque de public dans les salles suite aux attentats du 11 septembre 2001. Il se joue depuis le 12 juin 1988 au Starlight Express Theater à Bochum, en Allemagne, soit depuis 35 ans! Et près de 20 millions de spectateurs... Je me suis toujours dit que j'allais aller à Bochum mais je ne l'ai jamais fait. Et maintenant voilà enfin le spectacle de retour à Londres, au Wembley Park Theatre où j'avais vu Newsies l'an dernier. Super super content d'enfin voir ce spectacle.

Je n'ai qu'un vrai regret. Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 au Donmar Warehouse. Toutes les dates sont pleines. Je rêve depuis 10 ans de voir ce musical. Croisons les doigts pour qu'après la série au Donmar on ait un "West End Transfert"

Je mets toujours en premier, surtout l'après-midi, un spectacle que je n'ai pas trop envie de voir. Dans ce cas, ce que je considère comme un juke-box musical, "MJ the Musical". C'est clairement un juke-box et rien que ça. C'est étonnant de se dire que la production a eu 10 nominations aux Tony Awards à Brodway, vraiment...

En fait, j'ai un peu ressenti le syndrome "Starmania" avec en plus le handicap du Juke-Box. Les chansons sont exceptionnelles. Que cela soit la qualité du chant (MJ est joué par le fascinant Myles Frost qui a créé le rôle à Broadway), par la qualité du son, des effets visuels ... et de la danse. Putain la danse!. Mais.... En dehors de cela, lqu'est-ce que c'est creux et mièvre. Il y avait déjà eu à Londres un Juke-Box musical en 2009, "Thriller Live", qui avait tenu 10 ans au "petit" Lyric Theatre, mais il avait eu comme publicité - si on peut dire cela - la mort inopinée de Michael Jakson dans les trois premiers mois du spectacle. Il s'agissait d'un petit spectacle honnête, un peu cheap. Tout le contraire de "MJ the Musical" joué dans le gigantesque et majestueux Prince Edward Thetare. Et il s'agit cette fois volontairement d'un spectacle qui arrache.

À la différence de "Thriller Live" qui se raconte la vie de MIchael Jackson de manière chronologique depuis les Jackson Five jusqu'à ses plus grands succès, "MJ succès" opte de se fixer à un moment précis : nous sommes en juin 1992, et les membres de la distribution se préparent pour les répétitions de la prochaine tournée mondiale de Michael pour le Dangerous World Tour. Deux journalistes sont présents voulant faire une interview sur le processus créatif de MJ et ils posent des questions du type "Comment on écrit une chanson?", ce qui nous permet de nombreux flashbacks où cohabitent le MJ de 1992 et, par exemple, le MJ enfant... Bonne idée, mais mal exploitée. Le rideau d'entracte montre quelque part ce qu'ils ont essayé de faire en laissant des tas de notes prises à la main par Michael, se demandant comment se "cultiver musicalement" pour élargir sa culture musicale et devenir capable de faire des compositions uniques.

Il y a une très belle scène où on le voit s'inspirer de Fred Astaire puis de Bob Fosse.

Voilà, bon moment, mais sans plus.

Ce qui m'amuse c'est d'enchaîner des spectacles aussi différents que "MJ The Lusical' et "Lehman Trilogy". Vive Londres et sa vraie diversité.

Londres, au théâtre, durant les fêtes, c'est bien sûr les spectacles de toute l'année, plus quelques pantomimes à grand spectacle (au Palladium entre autres) mais aussi tous des spectacles pour enfants. Et comme tous les théâtres sont occupés, jouant souvent déjà deux fois (14h30 - 19h30), ils accueillent les spectacles pour enfants en matinées - le mot n'a jamais aussi bien son nom, car ils se déroulent à 10h30 ou 11h00 ... du matin. Des décors ou des tabs cachent le décor du spectacle du soir. Et cela permet de présenter des spectacles à moindre coût car ils bénéficient de toute la technique - dont le son - du lieu. Cela permet de présenter de magnifiques spectacles musicaux pour es enfants. Ils se jouent une trentaine de fois dans des salles pleines, soit près de 700 à 1500 spectateurs à chaque représentation. Et des mini-spectateurs en nombre.

The Smartest Giant in Town raconte l'histoire d'un géant qui vit dans une ville et il ne trouve rien pour s'habiller. Ouvre un magasin grandes tailles et enfin, il ne doit plus vivre en guenilles. Le voilà en veston-cravate et il a enfin des chaussures et des chaussettes. Il est le "smartest in town". Mais...

Il croise une girafe qui a froid vu son long coup. Et qu'est-ce qui peut servir d'écharpe à une girafe? Une cravate de géant. Et comme la cravate du géant sur scène n'est pas assez grande, quand il l'enlève pour la donner à la girafe, il la laisse tomber par terre et, quand il la ramasse, il s'agit d'une vraie écharpe géante. Cela va devenir un running gag que les enfants vont tous comprendre très vite. Et répéter en cœur ce que le géant dit systématiquement: "Oh je suis maladroit".

Il croise ensuite des souris dont la maison vient de brûler. Et qu'est qui peut abriter une famille de souris? Les chaussures d'un géant.

Et puis sa chemise va servir pour les voiles d'un bouc dont le bateau a traversé une tempête.

Sa chaussette va servir de sac de couchage à un renard. Et ainsi de suite, jusqu'à ce qu'il se retrouve en caleçon. Quelle solution lui reste-t-il? Retourner au "magasin grandes tailles". Mais il est tard et tout est fermé. Devant le magasin, dans un sac poubelle, il retrouve ses guenilles qu'il est très content d'enfiler. Il n'est plus le "smartest giant in town" mais il a aidé les autres et a maintenant des amis. Car, après tout, qu'est-ce que le "paraître"?

Ce qui est très bien pensé, c'est évidemment l'interaction avec la salle. Au fur et à mesure du spectacle, une chanson se construit à chaque rajout ou enlèvement d'un élément de costume. Cela commence par quelque chose du type "Je suis le géant de la ville et je vis en guenilles". Puis s'y rajoute "Je suis devenu le plus beau, car j'ai des vêtements chic" puis "Je n'ai plus de cravate mais la girafe a chaud au cou". Et ainsi de suite avec une chanson qui dure près d'une minute et que toute la salle, enfants compris, chante en cœur.

Tout simple? Peut-être, mais tellement bien fait.

Et bien voilà un bien beau début de journée... Il faut qu'on sorte parce que, dans moins de deux heures, dans ce même théâtre se joue la 29.896ème représentation The Mousetrap d'Agatha Christie. Elle se joue depuis le 6 octobre 1952 soit 72 ans. Treize ans avant ma naissance!!!

Ce spectacle fait partie de ceux que j'attends avec impatience. Lucas a été le voir à Londres avec son école et il paraît que c'est génial. C'est un "mélange" un peu bizarre en ce sens que c'est l'adaptation du mythe grec d'Orphée et Eurydice, ramené dans une ambiance intemporelle même si elle ressemble à l'Amérique de la grande dépression dans les années '30.

L'auteure du musical, Anaïs Mitchel - elle avait 35 ans quand Hadestown a été créé - a légèrement modifié ce mythe grec. Dans la mythologie, le jour même de ses noces avec Orphée, Eurydice, fuyant le Dieu Aristée qui l'importune, est mordue par un serpent caché dans les hautes herbes. Elle en meurt et descend au royaume des Enfers. Orphée, inconsolable, y descend à sa suite et après avoir endormi de sa musique enchanteresse Cerbère, le monstrueux chien à trois têtes (cela rappelle Harry Potter, non?) qui en garde l'entrée, et les terribles Euménides, peut approcher le dieu Hadès, et son épouse Perséphone. Il parvient, grâce à sa musique, à le faire fléchir, et celui-ci le laisse repartir avec sa bien-aimée à la condition qu'elle le suive en silence et qu'il ne se retourne ni ne lui parle tant qu'ils ne seront pas revenus tous deux dans le monde des vivants. Alors qu'il s'apprête à sortir des Enfers, Orphée, n'entendant plus les pas de sa bien-aimée, ayant peur que son amour lui échappe et impatient de la voir, se retourne imprudemment, la perdant à jamais.

Ce qui est magique avec la tragédie grecque, c'est que l'on sait que cela va mal finir. Les couteaux sont finement aiguisés, leurs lames brillent au soleil et à la lune, avant de finir maculées de sang.

Dans Hadestown, Orpheus n'est pas le sublime musicien qu'il est dans la mythologie. Non, il écrit sa première chanson, mais manque de sûreté en lui. L'Orpheus de Hadestown est fragile. Eurydice est une jeune femme pauvre qui cherche à survivre. À leur première rencontre, Orphée, a un coup de foudre pour Eurydice et lui demande de l’épouser. Eurydice est dubitative, car ils vivent tous les deux dans la pauvreté. Orphée lui dit qu’il est en train d’écrire une chanson pour faire revenir le printemps, et qu’ils n’auront plus à se battre...

C'est là qu'apparait le second couple. Perséphone (la Déesse des saisons, des fleurs, des fruits et des céréales. Elle passe la moitié de l’année avec Hades dans les Enfers, causant l’automne et l’hiver au-dessus. L’autre moitié, elle retourne chez sa mère, apportant avec elle le printemps et l’été) arrive dans le monde d’en haut et célèbre l’été, tandis qu’Eurydice commence à tomber vraiment amoureuse d’Orphée. Hadès arrive vite pour récupérer Perséphone. Dans cette version moderne, Perséphone joue la fêtarde pour atténuer son désenchantement de son mariage (Dieu de la Mort), et elle exprime sa misère de devoir retourner à Hadestown, l’usine souterraine d’Hadès. Bien qu’elle entende parler du travail harassant enduré par les ouvriers de l’usine, Eurydice est intriguée par les louanges chantées par les Parques (dans la mythologie, les divinités maîtresses de la destinée humaine, de la naissance à la mort) ainsi que par la promesse de protection qu’offre Hadestown. Le froid revient et Eurydice cherche de la nourriture et du bois de chauffage, exhortant Orphée à terminer sa chanson. Orphée continue de travailler sur sa chanson.

Hadès tombe sur une Eurydice désespérée et l’invite à venir à Hadestown. Avec le froid qui monte et l’estomac vide, Eurydice ne voit pas d’autre choix que de suivre Hadès. Elle chante ses adieux à Orphée avant de se rendre à Hadestown alors que les Parques critiquent le public pour d’avoir jugé Eurydice d'avoir choisi son intérêt personnel plutôt que l’amour (« Gone, I’m Gone »). Orphée découvre la disparition d’Eurydice et décide de la sauver d’Hadestown. Il se lance dans son voyage en utilisant les instructions d’Hermès pour se rendre à Hadestown. Dans la mythologie grecque, Hermès (photo à droite) est le messager des Dieux. Dans certaines versions, c’est Hermès qui a appris à Orphée à jouer de la lyre. Dans cette version, il est un narrateur sage du monde, maître de cérémonie, ami et mentor d’Orphée. Dans la version actuelle, le rôle est joué par une femme, ce qui n'était pas le cas à Broadway.

Eurydice arrive à Hadestown et signe le contrat, devenant officiellement un ouvrier.

Très vite, Eurydice se rend compte des conséquences de son choix d’aller à Hadestown: elle deviendra bientôt une ouvrière oubliée et ne pourra jamais partir. Orphée arrive à Hadestown et promet à Eurydice qu’il la ramènera chez lui. Hadès apparaît et lui rappelle qu’Eurydice a volontairement signé le contrat, ce qu’Eurydice confirme à regret. Orphée jure de trouver un moyen de libérer Eurydice, ralliant les ouvriers et attirant l’attention de Perséphone dans cette "révolte".

Perséphone est inspirée et admire la détermination d’Orphée et supplie Hadès de laisser partir Eurydice). Alors que les ouvriers commencent à vraiment remettre en question la liberté qui leur a été promise, Hadès, à contrecœur, propose à Orphée de chanter sa chanson terminée, menaçant de le tuer par la suite. Orphée chante sa chanson, mais cette chanson a un effet inattendu: elle rappelle à Hadès son amour pour Perséphone. Hadès et Perséphone se réconcilient, après quoi Orphée et Eurydice promettent de rester ensemble peu importe la difficulté de la vie. Orphée demande à Hadès s’ils peuvent partir, et Hadès lui dit qu’il n’a pas pris de décision. Les Parques se moquent d’Hadès pour son dilemme : s’il tue Orphée et garde Eurydice captive, ils deviennent des martyrs, mais s’il les laisse partir, il perd le contrôle de ses ouvriers car ils ont commencé à s’agiter pour leur liberté. Hadès décide de laisser partir Orphée et Eurydice à une condition : Orphée doit les faire sortir. S’il se retourne pour confirmer qu’Eurydice le suit, elle retournera à Hadestown et y restera pour toujours.

Hermès explique les règles à Orphée et Eurydice, et ils commencent leur trajet sous le regard des ouvriers qui les voient comme un signe d'espoir. De leur côté, Perséphone et Hadès décident de donner une autre chance à leur relation. Au moment où Orphée arrive à la fin de son trajet, il est submergé par le doute et se retourne, condamnant Eurydice à retourner à Hadestown.

A la fin du spectacle, Hermès réfléchit à cette sombre histoire et à la raison pour laquelle elle doit être racontée encore e toujours. On se retrouve donc au début et la troupe recommence à la raconter.

Après les saluts, la distribution rend hommage à Orphée pour son optimisme et sa bravoure:

Ce musical est une petite merveille. Et le fait qu'il soit écrit par une toute jeune femme dont c'est le premier musical est super encourageant. Une nouvelle génération serait-elle en train d'émerger. Des gens qui osent écrire de vrais musicals sans se limiter à des juke-box musicals efficaces, mais dénoués de toute inventivité? C'est le cas des deux auteurs de Come from Away, mais aussi du sublime The Little Big Thing découvert l'an passé au @SohoPlace et le touchant The Time Traveller's Wife vu l'an dernier à l'Apollo Theatre.

Les paroles et la musique (même si jazzy) sont magnifiques. Pour s'en rendre compte, une petite vidéo, enregistrée aux Olivier Awards en 2024. C'est la chanson "Wait for me" durant laquelle Hermès annonce à Orpheus et Eurydice ce que Hadès a décidé.

L'intelligence de Hadstown – et c’est un musical incroyablement intelligent – est qu'il transforme cette histoire séculaire et la fait rejaillir dans de nombreuses directions. Hadès, le patron des Enfers est un dirigeant qui extrait les minéraux de la terre, offrant à sa main-d’œuvre esclave la « liberté » en les emprisonnant derrière un mur. (L’actualité de « Pourquoi nous construisons le mur » doit être entendue pour être crue.)

HADES

Why do we build the wall?

My children, my children

Why do we build the wall?

CERBERUS

Why do we build the wall?

We build the wall to keep us free

That's why we build the wall

We build the wall to keep us free

HADES

How does the wall keep us free?

My children, my children

How does the wall keep us free?

CERBERUS

How does the wall keep us free?

The wall keeps out the enemy

And we build the wall to keep us free

That's why we build the wall

We build the wall to keep us free

HADES

Who do we call the enemy?

My children, my children

Who do we call the enemy?

CERBERUS

Who do we call the enemy?

The enemy is poverty

And the wall keeps out the enemy

And we build the wall to keep us free

That's why we build the wall

We build the wall to keep us free

HADES

Because we have and they have not!

My children, my children

Because they want what we have got!

CERBERUS

Because we have and they have not!

Because they want what we have got!

The enemy is poverty

And the wall keeps out the enemy

And we build the wall to keep us free

That's why we build the wall

We build the wall to keep us free

HADES

What do we have that they should want?

My children, my children

What do we have that they should want?

CERBERUS

What do we have that they should want?

We have a wall to work upon!

We have work and they have none

And our work is never done

My children, my children

And the war is never won

The enemy is poverty

And the wall keeps out the enemy

And we build the wall to keep us free

That's why we build the wall

We build the wall to keep us free

We build the wall to keep us free

C'est la chanson qui finit le premier acte. Cela ne vous rappelle pas le mur de Trump pour se "protéger de la pauvreté"?

Autre transformation brillante: Orpheus et son amour Eurydice ne sont pas des esprits féeriques, mais un pauvre garçon et une fille affamée. Et comme si cela ne suffisait pas, le génie a été de prendre ces idées et de les placer dans une sorte de bar clandestin de l’époque de la Dépression, où un groupe live joue cette musique follement jazzy.

Donc, pour récapituler, nous sommes dans un bar, c’est aussi la Grèce antique, c’est aussi l’Amérique de l’époque de la Dépression, c’est aussi le présent général, dans un spectacle qui parle des préoccupations de toutes ces époques : les tyrans, la pauvreté, l’amour perdu.

Ce soir, après le spectacle, je me sens à la fois impressionné et inspiré, ému, stupéfait, brisé et ravi. Il n’y a pas vraiment d’adjectifs pour décrire à quel point ce spectacle est sincère et spécial. Ce n’est pas seulement une pièce de théâtre de qualité fantastique, mais c’est aussi un poème, un concert, une célébration de la vie et de l’humanité, une ode à la musique et surtout, une histoire d’amour.

Hadestown est plus qu’un musical, c’est une expérience, un témoignage du pouvoir durable de l’art de toucher au plus profond de nos âmes. C’est une perle rare qui brille de mille feux dans le paysage du théâtre contemporain, un rappel que parfois, même dans les moments les plus sombres, il y a encore de la beauté à trouver.

PRODIGIEUX. Deux jours et déjà deux chocs: The Lehman Trilogy et Hadstown. Pourvu que ça continue.

Bon, selon ce qui se dit un peu partout, cela ne devrait pas être nul...

Un petit trailer pour vous mettre en appétit?

Le succès semble en tous cas être au rendez-vous: "House is Full", c'est complet!

J'ai vu un certain nombre de spectacles dans ce petit théâtre, le plus petit du West End (400 places) dont Stomp qui s'y est joué dix ans. On y était super mal installé: aucun 'legroom', place pour les jambes. Mais, grâce au COVID, le théâtre a été complètement ré-aménagé passant de 444 à 400 places, et installant un ascenseur, permettant aux spectateurs d'accéder aux stalls sans devoir monter ou descendre une marche. J'ai adoré. Il a aussi été rénové. Il semble tout neuf...

C'est toujours très gai de voir le décor avant le début du spectacle, car cela amène plein de questions du style: "Comment vont-ils faire pour...". Mais ici, vu l'histoire qu'ils vont raconter, les questions sont encore plus vivaces.

The Curious Case of Benjamin Button (L'Étrange Histoire de Benjamin Button) est à l'origine une nouvelle écrite en 1922 par F. Scott Fitzgerald. J'ai bien sûr vu le film, mais ce qui est possible au cinéma est parfois plus complexe au théâtre. Le livret de Compton est cependant très différent de celle de Fitzgerald et du scénario du film de David Fincher de 2008 avec Brad Pitt. Pour commencer, il ne se déroule pas dans l’Amérique du XIXe siècle, mais est pratiquement une lettre d’amour à la Cornouailles natale de Compton, son histoire s’étendant sur une grande partie du XXe siècle.

L’intrigue de Fitzgerald est vaguement suivie, mais fortement "bricolée" – l’un des changements les plus significatifs est de faire naître le Benjamin du musical avec un esprit et un vocabulaire d’adulte complets plutôt que de commencer sa vie comme un bébé dans le corps d’un vieil homme.

Plus précisément, il a une joie, une romance et un élan au grand cœur qui contrastent fortement avec le cynisme de Fitzgerald et la tristesse du film de Fincher. En effet, malgré des notes tragiques dès le départ – la mère de Benjamin se suicide très tôt – le ton est largement fantaisiste et optimiste.

John Dagleish incarne Benjamin Button et il délivre une performance émouvante combinant la physique d’un vieil homme avec les expressions d’un enfant abandonné. On dit à Button qu’il est un monstre – sa mère lui chante une berceuse sombre et brûlante. Ce rejet créera en lui une honte tenace, dont il ne se débarrassera que très difficilement, longtemps après avoir rencontré Elowen, l’amour de sa vie.

Peu à peu, une histoire prend forme, alors que Benjamin commence à s’irriter contre son père qui le garde tout le temps à la maison, et commence à se faufiler au pub local où il rencontre la barmaid à l’esprit libre, Elowen (Clare Foster). Ce spectacle n'est jamais drôle ou comique. Non, il est beaucoup mieux que cela. Il est tendre. On a plein de sourires affectueux. Par exemple, dans le bar, lors de leur première rencontre, Eloween lui demande ce qu'il veut boire. Comme un enfant, il répond: "Une bière". Elle lui dit: "Quelle bière?" et lui ne peut répondre que : "Une bière". Il ne sait même pas ce que c'est une bière. Alors imaginer qu'il y en a des centaines. Et c'est là qu'on sourit avec tendresse.

L’Elowen de Clare Foster est impertinente, sûre d'elle et a une voix stupéfiante.

Au fil des années, les deux sont attirées l’un par l’autre – elle a un faible pour les hommes plus âgés – mais des rebondissements les séparent pendant des années, jusqu’à ce qu’ils se croisent par hasard pendant la Seconde Guerre mondiale, alors qu’ils ont presque le même âge. Nous sommes la veille du débarquement en Normandie auquel il va participer.

Suite à cette nuit d'amour, ils auront un fils, qu'il découvrira de nombreuses années plus tard. À cette époque, Benjamin aura l'âge physique de son fils. Magnifique confrontation, arbitrée par Elowen devenue "vieille".

Ce musical ose, et assume, la poésie. Benjamin est très concret, très terre-à-terre. Elowen beaucoup moins. Elle aimerait qu'il apprenne à rêver. Et son rêve va concerner ... la lune. Dans les années '30, son sens du concret lui permet de rêver qu'un jour un homme marchera sur la Lune. C'est évidemment ce qui va se passer en 1969. À ce moment, sa femme sera en train de mourir et cela nous donne une des plus poignantes scènes du musical.

La musique est prodigieuse. Jouée en live par tous les comédiens. Cela n'est pas du tout dérangeant, car on est de toute façon dans une histoire fantastique, dans une féérie. On n'imagine pas Norma Desmond jouer du violon tout en chantant dans Sunset. Voici quelque extraits pour en profiter, même s'il ne sont pas filmés pednant le spectacle...

Ce musical, en fait, est l'histoire de quelqu'un qui découvre ce que veut dire l'expression "à la maison". Naissant à la fin de sa vie plutôt qu'au début, Benjamin Button cherche sa place dans ce monde, cherche un endroit où il puisse se trouver "à la maison". Ce ne fut pas le cas avec ces parents qui l'ont caché à sa naissance. Cette recherche d'un "à la maison" est rendue complexe de par ses différences. Benjamin Button est lui-même persuadé la majorité de sa vie que ces différences l'empêcheront de réaliser quoi que ce soit, de construire quoi que ce soit. La vie de Benjamin Button est unique, mais sa recherche d'appartenance est universelle. Ce que ce musical nous rappelle, c'est évidemment que ce "à la maison" n'est pas incarné par un lieu, mais plutôt par les gens qui nous entourent et qui donne vie à notre "à la maison".

Ce musical est magnifique... Ce qui est génial c'est qu'il vient du Off-Westend (Southwark Playhouse). Il s'agit donc ici d'un 'West End Transfer', dans un petit théâtre, il est vrai, mais quand même. Cela semble aussi être une nouvelle tendance, dont le plus bel exemple est Six, qui a été transféré du Arts Theatre dans le West End et puis à Broadway. Espérons qu'il en sera de même avec ce The Curious Case Of Benjamin Button.

Et pour vous montrer que ce spectacle attire les stars, regardez un peu qui était là...

Steven Colombeen et son mari. La famille Bruxellons! connait les endroits où il faut se trouver...

Et quelques photos pour mes souvenirs quand je relirai cela depuis le home...

Dernière petite remarque. Ce musical me fait profondément penser à Come from Away par son humanité, mais aussi par sa musique qui est proche de la musique irlandaise de Come from Away.

Pour commencer cette dernière journée de 2024, commençons par un spectacle Jeune Public. Trailer...

Des trois spectacles Jeune Public que j'ai vus, c'est sans doute celui avec le plus de moyens. Les marionnettes (si on les appelle comme cela?) ont un style très particulier, mais efficace. J'ai l'impression qu'on est chez Playmobill, mais je dis sans doute un sacrilège. Je suis beaucoup moins sensible à ces marionnettes qu'à celles de Smartest Giant in Town.

Attardons-nous un peu sur la "pseudo-histoire": le petit cochon apparemment préféré des Anglais et ses amis partent pour passer une journée au zoo, puis à la plage pour organiser une fête d’anniversaire surprise à Suzy Sheep. Ce n'est pas Hamlet, hein! Mais pas non plus Smartest Giant in Town.

Dès la seconde où la chanson thème de Peppa Pig a commencé, le public (moyenne d'âge 4 ans) a éclaté de rire ... et de cris! Et les parents ont éclaté de rire ... et de cris en voyant leurs enfants éclater de rire ... et de cris. Ils ont dû ressentir la satisfaction parentale suprême ressentant au plus profond de leur âme sincère: "Quel bon parent je suis d'avoir acheté un billet pour ce spectacle où mon si magnifique enfant éclate de rire ... et de cris". Sans se poser la moindre question, tellement l'histoire est transparente et sirupeuse.

La comédienne Perrie Sunuwar joue « Daisy », l’amie de Peppa qui aide à guider les enfants à travers l’histoire. Sunuwar a été comme des bouffées de calme, car elle rassemblait le public pour se joindre à elle! Elle est amusante, remplie de joie et vraiment détendue avec les enfants! Mais, comme, selon moi l'histoire est très faible, en dehors des chansons, on a des tunnels. Heureusement qu'elle est là.

Je ne comprends pas que l'on ait ce spectacle qui dure 1h20 avec un entracte de 30 minutes. On a donc 30 minutes de spectacle, 30 minutes d'entracte, puis 20 minutes de spectacles.

En fait, on est dans quelque chose de très différent. Il y a une vente MASSIVE de peluche pendant trente minutes - en dehors de moi, tout le monde en a acheté (et certains, deux ou trois à 15£ chaque). Avant cette vente massive, ils ont donc prévu un petit spectacle de 30 minutes pour faire patienter les gens et faire monter le suspense. Après la vente massive, ils ont fait un petit spectacle de 20 minutes où les enfants devaient chanter en arborant leurs nouvelles si belles (et si chères) peluches. De sorte que les rares enfants dont les parents n'ont pas voulu - ou pire n'ont pas les moyens - se sont sentis culpabilisés. Beaucoup ont d'ailleurs succombé à la sortie. (Pour info, la peluche de droite est à 22,99£. Mais que les gens de Knokke se rassurent, il y en a aussi à 39,99£ pour que leurs enfants n'aient pas les mêmes peluches que celles du peuple.

Moi j'ai résisté. À une dame du spectacle qui, alors que je franchissais la porte du Théâtre Haymrket, m'a demandé si je ne voulais pas acheter un "Piggy", je lui ai répondu: "To do What?" Elle est restée bouche bée. En marchant dans la rue, elle a certainement vu qu'il était écrit en jaune dans mon dos que "Je venais d'ailleurs" (Come from Away). J'espère que, dans quelques années, on enverra voir Oliver! à ces enfants. En route donc vers Oliver! au Gielgud.

Et dire que je n'ai pas encore pris mes résolutions pour cette nouvelle année 2025...

Quatrième et dernier spectacle de la journée. Et tout dernier de 2024. Ici encore, moins de 10 minutes pour passer de l'un à l'autre, mais le Criterion est à 50m du Piccadilly. En plus j'ai pris des places au 2ème balcon parce que c'est le seul théâtre de Londres totalement enterré et qu'il y a plus de 70 marches pour descendre aux stalls... Il y en a déjà 18 pour le 2ème balcon.

Enfin assis.

Commençons par une petite remarque. Ce matin, j'ai reçu le mail suivant?

Dear Titaníque passengers,

We can’t wait to welcome you aboard the ship of dreams. Before you embark, here’s some important info:

Please note that this production contains very strong language, sexual references and scenes of an adult nature and therefore operates a strict age restriction of 12+. Under 12s will not be admitted into the venue.

12 ans, ça devrait aller. De toute façon, j'ai ma carte d'identité s'ils veulent vérifier.

Alors, où suis-je? Il ne faut en aucun cas confondre avec le très beau musical de Maury Yeston Titanic. Non, il s'agit ici de Titanique. Et le sous-titre est très clair et, à la fois pas du tout:

NOTHING ON EARTH COULD COME BETWEEN JACK AND ROSE, EXCEPT CELINE DION

Ce qui est clair, donc, c'est que c'est un spectacle déjanté pour les plus de 12 ans.

Eclaircissons tout:

Toujours pas clair? Cela semble normal. Le musical part du principe que nous voulons tous savoir ce qui est vraiment arrivé à Jack et Rose pendant la nuit du 14 au 15 avril 1912 où a sombré le Titanic. Tout commence dans le musée du Titanic où des touristes suivent une visite guidée. C'est à ce moment qu'apparait Céline Dion, arrête la visite et raconte sa propre histoire de cette fameuse nuit, en chansons.

Ce musical est irracontable. Après cinq minutes, la salle hurle de rire. Dont mois. À Londres, il est encore en previews, donc très peu de vidéos... Voici quelques-unes des différentes versions du monde entier pour se rendre compte du style...

Il est impossible de raconter la scène du dessin ou la scène de la voiture. Lorsque Rose confie à Molly qu'elle est vierge, Molly sort de son corsage une belle aubergine: "Je vais t'expliquer. Moi, je préfère ça que les hommes". Etc, etc... On peut détester ou adorer. Moi, je n’ai pas tout compris, mais ce que j'ai compris m'a fait beaucoup rire.

Le spectacle a été créé à Los Angeles en 2017. Elle a été jouée dans l'off-Broadway à l’Asylum Theatre en juin 2022, avant d’être transférée, toujours dans l'off-Broadway, au Daryl Roth Theatre. Lors de la cérémonie des Lucille Lortel Awards 2023 (les prix récompensant les spectacles de l'off-Broadway équivalents aux Tony Awards de Broadway), la production a remporté trois prix, dont celui de meilleur musical.

Titanique présente les succès suivants de Céline Dion : Ouverture – Compagnie / "I’m Alive » – Céline Dion et compagnie / "Taking Chances » – Company/ "Taking Chances (reprise) » - Rose/ "Seduces Me » - Cal/ "Si vous m’avez demandé de » - Rose, Celine, et Jack/ "La Belle et la Bête » - Celine, Seaman, et compagnie/ "I’m Alive (reprise) » - Molly Brown/ "You and I » - Jack and Company/ "Tell Him » - Molly Brown, Rose et Celine/ "To Love You More » – Jack, Rose, et compagnie/ "Who Let the Dogs Out » - Celine/ "I Drove All Night » - Victor Garber/ "Because You Loved Me » - Celine, Rose et Jack/ "Where Does My Heart Beat Now » - Jack, Cal, Rose, and Company/ "I Drove All Night (reprise) » - Victor Garber et Seaman/ "River Deep, Mountain High » - Iceberg et compagnie/ "I Surrender » / « Seduces Me (reprise) » – Rose et Cal/ "I Surrender (reprise)" – Victor Garber, Celine, and Company/ "All By Myself » – Molly Brown/ "The Prayer » – Rose and Company/ "All By Myself (reprise) » - Molly Brown/ "My Heart Will Go On » – Celine and Company/ "A New Day Has Come » – Company/ "My Heart Will Go On (reprise) » – Company

Le spectacle est rempli de références à la culture pop. Il s’agit notamment des musicals Chicago, Newsies et The Mystery of Edwin Drood.

C'était en tous cas une bien belle manière de terminer 2024.

Happy New Year...

C'est là que ça me fait vraiment chier... Cette pause de plus de deux heures trente. Alors je sais que, techniquement ils doivent "réarmer tout le spectacle" mais quand même. Cela te fait sortir de l'ambiance, de l'atmosphère, de l'imaginaire.... Et les -2°C n'arrangent rien. On va donc attendre... Attendre ....

En, fait partout dans le monde, s'ils ont presque toujours commencé par la version en deux parties de 5h20, il n'y a plus qu'à Londres qu'elle se joue. Partout ailleurs, c'est du 3h20 entracte compris. C'est quand même 2h de moins. Maintenant la version de Londres a elle-même été adaptée de nombreuses fois.

En fait, quand je suis sorti de cette deuxième partie, j'avais passé un vrai bon moment. Mais sans plus. Tout est parfait, bien entendu. Un petit plus pour la lumière qui permet à la scénographie d'être à ce point efficace, dégageant de vraies zones noires où on peut installer quelque chose tout en jouant de l’autre coté du pas si grand que ça plateau du Palace Theatre. Et bien sûr, tout cela sans qu'on se rende compte qu'on a éteint une partie de la scène pour cela.

Et pourtant, j'écris ce petit texte quelques jours après la vision du spectacle. Et bien c'est quasiment le seul spectacle auquel j'ai pensé tous les jours, où je me posais des questions: "Mais alors, est-ce que ça ne veut pas dire que..." Il y a des tas de choses qui me sont revenues à l'esprit, comme Dumbledore qui est maintenant dans un cadre puisqu'il est mort. Même s'il bouge et fait ces commentaires comme tous les cadres de Poudlard. À un moment, il y a une très belle scène où il discute avec Harry Potter. Et là, je me dis, mais putain, le fils de Harry s'appelle Albus, c'est en hommage à Dumbledore. Et je trouve ça beau.

En fait, je me rends compte que j'ai beaucoup plus aimé ce spectacle que je ne l'ai ressenti au moment même. Il fallait que cela décante. Et je suis certain que, de par la qualité de ma mémoire et de mon âge, je passe à travers de très nombreuses choses. Je suis sûr que je ne connais pas assez bien la saga initiale des 7 Harry Potter que pour en voir toutes les implications 19 ans plus tard. Dans l'acte II, quand le remonteur de temps perturbe tout, rétrogradant Hermione de Ministre de la Magie à une professeur frustrée et bien, on retrouve un peu la jeune pétasse qu'elle pouvait être quand tout n'allait pas comme elle l'avait décidé. Je trouve cela vraiment très chouette que Jack Thorne et J.K. Rowling ont osé briser des barrières, un peu comme Lloyd Webber l'a fait avec Love Never Dies, la suite du The Phantom of the Opera, où il a osé faire de Christian un alcoolique et révélant au milieu du spectacle que l'enfant de 10 ans de Christine, n'est pas celui de Christian, mais bien celui du Fantôme, changeant ainsi profondément l'histoire même de son tube absolu, The Phantom of the Opera. Et bien ici aussi, ils ont osé, faisant du fils de Draco Malfoy, Scorpio un personnage éminemment sympathique; ou en faisant rentrer Albus Potter à Serpentard. Ou bien sûr - et c'est un changement majeur de la version post COVID, qu'elle soit en 1 ou 2 parties, l'amitié entre Scorpio Malfoy et Albus Poetter qui est bien plus qu'une relation d'amitié. En anglais, ils disent pudiquement "a romance". Et tout est amené d'une manière très intelligente. Le point final est une conversation entre Albus et son père, Harry, à la fin du spectacle. Albus pose alors une question à son père :

ALBUS: Tu sais, n’est-ce pas? Que Scorpio est la personne la plus importante de ma vie. Et qu’il pourrait toujours être le plus important.

Harry regarde son fils. Il sait que c’est important. Il sourit. Il sait.

HARRY: Je sais. Et j’aime ça. En fait, je l’aime beaucoup. Et s’il est la personne la plus importante dans ta vie, alors je dirais que c’est une très bonne chose.

Ça ne choque en tous cas personne, bien au contraire...

Vous remarquerez que je, comme J.K. Rowling le demande, je ne raconte pas la deuxième partie pour ne pas dévoiler tous les rebondissements de l'histoire.

Quoiqu'il en soit, un super spectacle avec une trop longue pause entre ses deux parties... Mais quel bonheur de voir le Choixpeau magique en action, la potion Polyjuice en jeu et la cape d’invisibilité de James Potter maintenant portée par son petit-fils. Et puis de retrouver des personnages classiques comme Mimi Geignarde:

Le grand spectacle des fêtes du National. Une tradition. Et une fois encore, le NT s'attaque à un monument de la littérature anglaise pour enfants: Ballet Shoes de Noel Streatfeild (voir photo ci-contre) de 1936.

Née en 1896, deuxième de cinq enfants, Noël était considérée comme la sœur «ordinaire» de sa famille, mais brillait dans les spectacles de charité avec ses sœurs. Adulte, elle s’oriente vers une carrière théâtrale et acquiert dix ans d’expérience en tant qu’actrice. Sa familiarité avec la scène sera à la base de bon nombre de ses livres populaires pour enfants, qui parlent souvent d’enfants aux prises avec des carrières dans les arts.

Dans la première moitié des années '30, elle a publié six romans pour adultes et un certain nombre de nouvelles dans des magazines. Son livre Ballet Shoes, sorti en 1936, alors qu'elle a 41 ans, est son premier livre pour enfants. Elle va en fait recevoir une suggestion de son éditeur, d'écrire un roman pour enfants au sujet du théâtre. Elle allait développer l'histoire fascinante de trois enfants adoptées, caractériellement très différentes.

L'histoire se déroule chez Matthew Brown (surnommé 'Gum'), un géologue et professeur âgé qui est passionné par ses recherches. Au début de la pièce, dans un prologue ludique et rythmé, on nous plante rapidement le décor. Gum est un peu énervé lorsqu’une petite-nièce de 12 ans, Sylvia, dont il ne savait rien, est déposée sur le pas de sa porte, car ses parents sont décédés. Mis devant le fait accompli, il n'en arrête pas pour autant ses voyages géologiques à travers la planète et confie Sylvia à sa Nana, son ancienne nounou qui travaille toujours là (en réalité, Miss Guthridge - jouée par Jenny Galloway qui a été Madame Thénardier dans le 10th Anniversary Concert de Les Misérables en 1995 au 25th Anniversary Concert à l'O2 en 2010, et Rosie dans le cast original de Mamma Mia! - rien de moins...).

Quelque peu séduit par l’idée de sauver des bébés orphelins, ses trois prochaines expéditions le voient ramener à la maison trois petites filles... L'aînée, Pauline, est sauvée d’un naufrage. Elle commence à aller à l’école à l’âge de six ans. La sœur cadette, Petrova, est adoptée d’un jeune couple décédé en Russie. Petrova est un garçon manqué, travailleuse et appliquée, mais ne s’intéresse qu’aux moteurs, aux avions et aux voitures. Enfin, la plus jeune sœur, Posy, que Gum envoie à la maison dans un panier avec une paire de chaussures de ballet. Sa mère, une danseuse, pourrait bien être en vie, car on dit qu’elle « n’a pas de temps pour les bébés » au moment de l’adoption de Posy. Qui s'occupe des trois enfants? Nana (ci-contre) bien sûr et Sylvia.

Il continue ses expéditions et ses conférences.

Mais Gum se lance alors dans une expédition de plusieurs années et s’arrange pour obtenir de l’argent afin de subvenir aux besoins de la famille (Nana, Sylvia et les trois gamines) pendant son absence. Quand les trois filles vont à l’école pour la première fois, elles se rendent compte que, même si elles sont trois sœurs, elles n’ont pas de vrai nom de famille et décident d’en inventer un. Gum, quand il écrit aux enfants, il les appelle ses « petits fossiles ». Alors, les filles décident d’utiliser Fossil comme nom de famille. Et elles se font une promesse fondamentale: ajouter leur nom aux livres d’histoire.

Mais Gum ne revient pas à la fin des cinq ans promis et l’argent est presque totalement épuisé. Comme elles n’ont aucun moyen de le contacter ou de le retrouver, Sylvia et Nana n'ont plus d'argent pour faire vivre la petite famille.

Elles n'ont qu'une solution. Réaménager la maison de Gum et louer des chambres à des pensionnaires. Par manque d'argent, les trois enfants doivent aussi quitter l'école. Des pensionnaires très différents vont rejoindre le foyer. Dr Jakes et Dr Smith, deux gentilles femmes universitaires plus âgées (avec des chambres séparées) qui sont, respectivement, deux professeurs de littérature et de mathématiques à la retraite. Elles proposent d’enseigner aux filles. La Dr Jakes inspire enseigne aussi aux filles de penser que leur état d’adoption est plein de potentiel et d’individualité, sans aucune chance que leurs réalisations soient attribuées à des liens familiaux. Elle raconte son histoire personnelle: elle s'est retrouvée sans rien à la mort de son partenaire. Elle confie être lesbienne à Nana.

Il y a aussi Mr Simpson, un mécanicien asiatique. M. Simpson est particulièrement ami avec Petrova, en raison de sa voiture Citroën et de son garage de réparation automobile.

Et enfin, la troisième pensionnaire, Mlle Theodora « Theo » Dane, est professeur de danse à l’Académie des enfants de ballet classique. Elle s’arrange pour que les enfants, dans un plan social de charité, puissent suivre les cours à l’Académie pour enfants de danse et de formation scénique.

Les trois filles vont ressentir très différemment leur intégration dans cette école. Pauline découvre qu’elle a un talent et une passion pour le théâtre alors que Petrova déteste jouer et danser. Posy a un vrai talent pour la danse.

La passion de Pauline pour le théâtre va être "façonnée" par Dr Jakes qui va lui faire travailler ses textes et ses techniques théâtrales.

Pauline, en tant que sœur aînée, veut faire de son mieux. Elle prend souvent des décisions pour tout le monde. Mais, avec son vrai talent théâtral, elle commence à devenir de plus en plus arrogante et prétentieuse. Lorsqu'elle est choisie pour un rôle principal dans Les Aventures d’Alice au pays des merveilles après avoir joué dans L’Oiseau bleu, le succès précoce lui monte à la tête. Pour cette raison, le soir de la première, le producteur la remplace par son understudy pour un soir. Grâce à cela, Pauline apprend suffisamment d’humilité pour équilibrer son talent et continue à jouer de nombreux rôles principaux à succès.

Posy a elle un vrai talent pour la danse. Très vite, Madame Fidolia, une célèbre danseuse russe à la retraite, va la repérer et donner à Posy des cours privés, ce qu’elle n’a jamais fait auparavant.

Le personnage de Madame Fidolia est évidemment terriblement impressionnant. Elle est une danseuse qui fut célèbre dans l'empire tsariste. Elle balade avec elle un passé impressionnant, mais aussi des rêves. On entre à des tas de moments dans ses souvenirs par des flashbacks où elle nous apparait jeune. Tout cela explique l'exigence absolue qu'elle a par rapport au talent de Posy. Elle est en fin de vie et veut transmettre. Mais elle ne lui passe rien. La danse classique est un art exigeant. Et elle ne pourra faire des pointes et porter des "ballet shoes" que quand elle aura le niveau, c'est-à-dire aura beaucoup beaucoup travaillé. Et, bien sûr, lorsqu'elle mourra, elle lèguera des "ballet shoes" à Posy. La scène où Madame Fidolia se voit jeune dans un miroir de danse est à nouvea très touchante...

Mais tout ce texte est réellement ancré dans une réalité sociale. À mesure que les enfants grandissent, ils assument une partie de la responsabilité financière pour soutenir le ménage. Une grande partie du drame vient des frictions entre les sœurs et de l’équilibre entre leur désir d’aider financièrement la famille et les lois limitant le temps qu’elles peuvent passer sur scène pour gagner leur vie.

Posy est en train de devenir une brillante danseuse de ballet. Elle se heurte également à ses sœurs, car elle est tellement concentrée sur la danse qu’elle est insensible à tout ce qui se met en travers de son chemin. De son côté, Petrova ne s’intéresse pas aux arts de la scène et a peu de talent pour cela, mais doit continuer à suivre des cours et à jouer dans des spectacles pour aider à subvenir aux besoins de la famille. Cependant, elle s’accroche toujours à son propre rêve de piloter un avion. Il y a d'ailleurs une scène très drôle où Petrova, encore enfant, prend ses deux sœurs dans la voiture et Mlle Theodora pour une raison que j'ai oubliée. Mais cela démontre tellement le côté de cette gamine qui adore la mécanique.

L’autre chose qui représente très bien historiquement son époque, c’est que la pauvre Sylvia a été laissée sur l’étagère. C’est une femme assez jeune, probablement 25 ans au début du livre, mais, vers la fin du livre, Nana constate tristement que ses cheveux grisonnent et que son visage est ridé d’inquiétude. Nous nous rendons compte que Sylvia fait partie de la génération de jeunes femmes dont les futurs maris ont été tués pendant la Première Guerre mondiale et ... qui restera seule alors qu'elle ne l'a nullement décidé.

Le spectacle se termine avec Pauline partant à Hollywood pour tourner dans un film, accompagnée de Sylvia. Posy va entrer dans une école de ballet à Prague, accompagnée de Nana. Petrova se demande ce qu’elle va devenir, car elle est encore trop jeune pour vivre seule et ne veut ni danser ni jouer. C'est à ce moment que Gum revient. Il a été absent si longtemps qu’il ne se rend pas compte de qui sont ces trois jeunes femmes. Mais après avoir reconnu qu’il s’agit de "ses trois bébés" qu’il a abandonnées il y a de nombreuses années, il décide de prendre Petrova sous son aile et de l’aider à réaliser son rêve: devenir pilote d'avion....

Comme d'habitude au National, les choses sont faites avec soin et intelligence. La scénographie de Frankie Bradshaw est parfaite. Elle transforme le gigantesque plateau de l'Olivier Theatre en un espace plus intime dominé par des boîtes contenant les découvertes de Gum (majoritairement des squelettes), avec une mezzanine à mi-hauteur du mur du fond comme espace de jeu supplémentaire très pratique.

Cela laisse le sol vide pour les chorégraphies et les accessoires mobiles animés – miroirs de danse pleine longueur, portes, meubles, voiture ancienne – qui dansent leur propre danse alors qu’ils se faufilent dans l’action.

La metteuse en scène Katy Rudd a gardé à l’esprit que pour raconter une telle épopée, il faut rester audacieuse et inventive. Et surtout garder du rythme. C’est le genre de production où l’épave de Gum est recréée en un clin d’œil avec des draps et des poteaux. Lorsque Petrova se lance dans une course effrénée à travers le centre de Londres, des artistes tenant des arbres et des lampadaires se précipitent chaotiquement pour indiquer sa vitesse. Une séquence brillante, utilisant simplement la lumière et de la glace sèche, montre le câblage et la plomberie de la maison en train de s’effondrer. L'éclairage est de Paule Constable, qui crée également un trou entouré de néons d'où surgit d'une obscurité totale le lapin blanc, sautant dans une Alice au pays des merveilles dans laquelle Pauline est impliquée. Magie de scène.

La chorégraphe Ellen Kane, avec l'accord de l'adaptatrice Kendall Feaver, s'est évidemment autorisée à proposer sur scène de la danse plus contemporaine que celle datant de 1936, la création du roman. Ellen Kane propose plusieurs grandes routines d’ensemble qui font penser à Bob Fosse. Le « ballet futuriste » dans une production du Songe d’une nuit d’été dans laquelle Pauiine et Petrova apparaissent, avec des costumes pop-art astucieux à effet métallique et des mouvements « mécanisés ». Cette section donne également à Petrova sa première chance de voler, un moment exaltant pour l’artiste et le public.

Et de nouveau, ce qui est magique c'est qu'une scène comme celle ci-dessus cohabite avec une comme celle ci-dessous en quelques secondes et montre de la plus simple des manières que ces trois enfants ont leurs propres trajets de vie.

Très très beau spectacle. Pas du tout manichéen. Qui parle à l'entièreté de la famille. Une magnifique ode à la scène et à la réalisation des rêves.

PS: je me suis rendu compte en lisant le programme que le comédien Justin Salinger qui joue le rôle de Gum joue aussi celui de Madame Fidolia. Chapeau bas...

PS2: j'étais super bien placé...

PS3: des vidéos

PS4: vous aviez déjà vu le National comme ça?

En route pour assister à deux spectacles d'affilée au "The Other Palace", ce théâtre qui a ouvert en 2012 avec ses deux salles: la grande salle (312 places) et le studio (120 places). Il a ouvert sous le nom de "St James Theatre" mais a été rebaptisé par Andrew Lloyd Webber, "The Other Palace", quand ce dernier a voulu en faire un lieu vitrine pour les nouveaux musicals. Ce lieu présente depuis lors soit de nouveaux musicals, soit des musicals interprétés par de jeunes artistes, leur permettant d'être vus dans des conditions techniques optimales. C'est très différent de nombreux théâtres qui ont cette vocation dans l'Off-West End.

J'ai vu dans ce théâtre de très nombreux spectacles, dont Rent (2016), Big Fish (2017), Amélie (2019), Heathers (2021, 2022) mais jamais rien dans le petit studio...

C'est plus petit que la petite salle du TLP...

Est-ce que la photo de gauche ci-dessous vous dit quelque chose? Et oui, le film Home Alone, ou, chez nous, Maman, j'ai raté l'avion... En dehors de la messe de minuit et de mon voyage annuel à Londres, y a-t-il quelque chose qui soit plus typique de Noël que de regarder une rediffusion de Maman, j’ai raté l’avion à la TV? Et bien, cette année, The Other Palace tente de surpasser ce légendaire classique des années '90 en nous apportant Homo Alone, une parodie au 74ème degré, avec les codes de la panto (pour adultes), qui vous laissera à coup sûr dans les éclats de rire.

Allez, commençons par l'histoire en 60 secondes...

L'histoire du film est donc bien celle du jeune Kevin McCallister (8 ans) qui se retrouve seul chez lui, alors que toute sa famille est partie en vacances à Paris en l'oubliant par mégarde, et que des voleurs tentent de cambrioler la maison. L'histoire de Homo Alone est identique, ou presque... Mais ici, Kevin en a tellement marre de ses parents et de sa sœur qu'il voit avec bonheur sa famille disparaître à Paris en l'oubliant à la maison. Mais ici, le père de Kevin, Peter, est un homosexuel "refoulé": il regarde du porno gay hardcore au sous-sol en cachette et chante Céline Dion. Mais ici, la famille est totalement campagnarde. Et enfin - même si on est en décrochage total - ici, le jeune Kevin de 8 ans découvre sa sexualité qui l'attire plutôt vers les hommes. Il fera son "coming out" à sa mère de retour de Paris - qui sera bien entendu ravie, permettant au père d'exprimer lui-même sa propre sexualité.

Ils jouent en plus tous plusieurs personnages. Ici, par exemple, les parents jouent les deux cambrioleurs, qui rentrent dans la maison de Kevin laissé seul...

Tout est drôle. Sur les deux heures de spectacles (+ entracte de 20 min) il n'y a pas une seule minute où on n'a pas un éclat de rire. Voici par exemple la réaction du père (homo refoulé) quand sa femme veut lui faire un bisou... On peut dire qu'il l'évite!

Tous les comédiens sont exceptionnels. La scène doit faire 3m sur 4m, sans aucun dégagement. On les voit se faufiler derrière le décor pour apparaître à une fenêtre, mais on s'en fout. Cela fait partie du 74ème degré moyen. Ils passent plein de fois par la salle, se changent 250 fois en deux heures. En plus, on est vraiment dans un style "pantomime", c'est-à-dire que le quatrième mur est brisé: il y a des adresses directes au public.

Le comédien qui joue Kevin, Elliot Evans - que j'ai vu jouer Marty McFly dans Back to the Future à l'Adelphi Theatre l'an dernier - est tout simplement magistral. Ce n’est pas une mince affaire pour un acteur adulte d’incarner de manière convaincante un enfant de huit ans. Sa voix impressionnante lors des chansons agrémente d'ailleurs fortement la soirée. Lors de la partie du spectacle où il découvre sa sexualité, il réalise, pour s'amuser, un strip-tease... Bon, bien sûr, un enfant de 8 ans ne fait pas de strip-tease, mais la rupture du 4ème mur lié au style pantomimique place la scène ailleurs, c'est-à-dire où le comédien joue et allume le public.

C'est à ce moment qu'il découvre les vidéos cachées de son père. Il ne porte qu’un essuie autour de la taille et est assis sur l'appui de fenêtre. Tout à coup, une érection puissante surgit. Je vous rassure, c'est un autre comédien (celui qui joue le père) qui derrière la fenêtre, simule cette érection avec son bras. Après une simulation de masturbation, l'entièreté du public est quand même aspergée ... d'eau.

En fait, on dit souvent qu'à notre époque, on ne peut plus rire de rien. C'est vrai. Mais ici, tout ce dont on ne peut pas rire, ils en rient. Et nous entrainement dans ces rires. Ils rient ouvertement des homosexuels, des femmes, des pauvres, des fonctionnaires, des policiers, de la prétention des riches ... Et ils n'y vont jamais avec le dos de la cuillère.

Qui a écrit ce musical? Jodie Prenger et Bobby Delaney. Jodie Pringer pour les connaisseurs du West End est loin d'être une inconnue. Elle avait gagné en 2008 le télécrochet de la BBC I'd Do Anything ayant pour but d'attribuer le rôle de Nancy dans le revival à l'époque de Oliver! au Theatre Royal Drury Lane. Avant de jouer le rôle de Nancy, Jodie a fait partie de l’ensemble de Les Misérables au Queen’s Theatre en 2008, afin d’acquérir une certaine expérience de la scène dans le West End. Elle a ensuite joué dans de gros succès, comme Spamalot (la Dame du Lac), One Man Two Guvnors, Shirley Valentine,... Elle a aussi mené un brillant combat pour qu'on la laisse vivre - et travailler - avec les kilos qu'elle voulait.

La voici présenter avec ironie 'Homo Alone'...

On retrouve plein de gags du film, comme la poignée de porte surchauffée. Mais l'énorme point fort de la production - et cela n'est possible qu'avec 4 artistes-plateau bourrés de talent - est l'écriture pantomimique qui permet, entre autres, l'improvisation. Et dans cet exercice, Jack North (le père et beaucoup d'autres rôles - photo ci-contre) est un maître. Il est capable de laisser ses collègues en carafe (enfin, ils sont morts de rire avec le public) pendant près de 5 minutes parce qu'il part dans une impro. Par exemple, il mparle pendant 3 minute du jeune stewart de l'avion qui l'a emmené à Paris. Ca n'est pas dans le texte, mais il s'en fout, car cela fait rire tout le monde. Et comme c'est fait avec un immence talent, c'est tout simplement jouissif.

Le public intevient bien sûr à ,de nombreux moments, comme quand Kevin Kevin tend un sac de plumes à quelques spectateurs au premier rang, demandant de le jeter au visage du cambrioleur s'il apparait.

Et puis, il ne faut pas oublier de parler de musique (préenregistrée mais on est dans une salle de seulement près de 100 places, ce qui à Londres est minuscule), les chansons sont fantastiques. Les tubes de Noël classiques réinventés avec des paroles parodiques tiennent tout le public en haleine. Ajoutez à cela une chorégraphie intelligente et des voix puissantes de l’ensemble de la distribution, et on obtient un vrai petit bijou auquel je ne m'attendais pas.

Le The Other Palace en programmant ce genre de spectacle joue vraiment son rôle de mise en lulmière de jeunes talents. Bravo à vous 4... Merci !

Encore une dernière petite remarque, le matin même, j'ai reçu un mail me rappelant que ce spectacle utilisait un humour ironique où les artistes se moquaient de certaines catégories de la population. Ils rappelaient aussi que le spectacle était interdit au moins de 16 ans!

La Tempête de Shakespeare est une œuvre fascinante de Shakespeare. Enfin, qui me fascine. Pourquoi? Je n'en sais consciemment rien.

Quoi qu'il en soit, cette œuvre est à part... C'est sa dernière œuvre. C'est une des rares pièces où la règle des trois unités est appliquée (ce n'est certainement pas pour cela que j'aime la pièce). Peut-être parce que j'en ai vu deux sublimes versions?

La première, c'était au Rideau de Bruxelles durant la saison 1982-1983 - dans la salle M, hein, pas au Petit Théâtre, même si dans cette petite salle j'ai vu un magnifique Roi Lear quelques années plus tard - dans une mise en scène par Pierre Laroche. J'avais 17 ans. Prospero était joué par Claude Etienne, Ariel par Anne Chapuis, Caliban par Gérard Vivane, mais on y trouvait aussi Alain Leempoel (Ferdinand), Pietro Pizzuti, Jules-Henri Marchant, Francis Besson, Gerald Marti et beaucoup d'autres. Une tranche du théâtre belge. Pierre adorait La Tempête de Shakespeare. Il l'avait déjà montée cinq ans plus tôt en 1978 au KVS, en néerlandais. Cette version fut un véritable éblouissement...

Et puis, j'ai vu une seconde version, en 1996, au KVS en néerlandais, mise en scène par Franz Marijnen avec qui j'avais travaillé au National sur Le Balcon de Jean Genet qui avait fait scandale. Ici encore, une version époustouflante. Rien que la première scène, celle de la tempête. Sur scène des projecteurs éblouissaient la salle et d'énormes ventilateurs soufflaient sur les spectateurs. Avec une vraie violence de tempête. Des feuilles étaient lâchées. Tous les spectateurs se protégeaient le visage ou tentaient de se protéger derrière le spectateur de devant. Quand la scène finissait, les spectateurs étaient méconnaissables, totalement décoiffés ... Nous venions tous de faire naufrage sur l'île de Prospero joué par le magnifique acteur flamand Senne Rouffaer.

Cette version du KVS était beaucoup moins consensuelle que celle du Rideau, Ariel y était par exemple hermaphrodite. On insiste sur le colonialisme: Alonso, Antonio, Sebastiano et Gonzalo portent des redingotes du XIXème siècle quand ils débarquent - enfin quand ils font naufrage - sur l'île de Prospero.

Quoi qu'il en soit, ces deux versions étaient de magnifiques exemples de théâtre populaire: de grands textes véhiculant de grandes idées (issues de l'auteur, mais aussi du point de vue des artistes créatifs) rendues accessibles au plus grand nombre.

C'est dire si voir un Shakespeare au Drury Lane à Londres m'enthousiasme. Surtout que Shakespeare a une résonance toute particulière avec ces deux mots: Londres et Drury Lane.

Nous savons que la vie de Shakespeare tournait autour de deux endroits: Stratford et Londres. Il a grandi, a fondé une famille et a acheté une propriété à Stratford, mais il a travaillé à Londres, le centre du théâtre anglais. Pendant de nombreuses années, on ne sait rien de certaines des activités de Shakespeare: comment il a gagné sa vie, quand il a déménagé de Stratford, ou comment il a fait ses débuts au théâtre. La première mention certaine de Shakespeare à Londres date de 1592, en tant qu’acteur et dramaturge. Pendant plus de deux décennies, Shakespeare a eu de multiples rôles dans le théâtre londonien en tant qu’acteur, dramaturge et, avec le temps, partenaire commercial d’une grande compagnie d’acteurs, les King’s Men. Plusieurs membres de la compagnie s'associent en 1599 pour faire construire leur propre théâtre dans le quartier de Southwark, au sud de la Tamise: le Globe (à une centaine de mètres du Globe actuel).

À la mort de Shakespeare en 1616, il était loin d’être l’icône mondiale «Shakespeare» que nous célébrons aujourd’hui. Il était un dramaturge anglais de premier plan, mais pas un talent isolé (citons par exemple Ben Jonson, Christopher Marlowe, Francis Beaumont et John Fletcher dont les pièces sont toujours jouées aujourd'hui). Rappelons que de 1642 à 1660, Cromwell a interdit le théâtre en Angleterre, et lorsque les théâtres londoniens ont rouvert en 1660, les pièces ont été radicalement réécrites pour être jouées: Le Roi Lear ne mourrait plus, les sorcières de Macbeth chantaient et dansaient et Miranda dans La Tempête avait une sœur. Shakespeare n'était nullement un "intouchable". Cela va durer de nombreuses années.

Notre idée de Shakespeare en tant que génie singulier qui représente la somme et le sommet de la culture britannique ne date que du milieu du XVIIIe siècle, plus de 100 ans après la mort de Shakespeare. On le doit à l’acteur-manager et dramaturge David Garrick (1717-1779 - photo ci-contre, David Garrick dans le rôle de Gloucester dans Richard III au Drury Lane en 1759), qui consacra sa carrière extraordinairement réussie à promouvoir Shakespeare comme le symbole suprême de la culture britannique. Il a dirigé le Drury Lane Theatre. Garrick a été salué pour le style « naturaliste » de son jeu d’acteur – un terme qui doit toujours être replacé dans son contexte, car chaque génération de spectateurs de théâtre a une idée différente de ce que signifie jouer « naturellement ».

Malgré le génie énergique de Garrick en tant qu’interprète, c’est sa gestion de Drury Lane de 1747 à 1776 qui fit de lui le principal interprète théâtral du poète national britannique. Il serait difficile de penser à une personnalité théâtrale plus influente que Garrick dans la formation d’attitudes populaires envers Shakespeare – attitudes qui se poursuivent jusqu’à nos jours, notamment à travers la place centrale de Shakespeare dans le programme de littérature anglaise dans les universités du monde entier. Garrick a créé la « Bardolâtrie », le culte formel de Shakespeare, un phénomène qui nécessite des croyants, des rituels et des lieux de pèlerinage. En 1769, il a organisé le Stratford Jubilee, une célébration de trois jours de Shakespeare qui a mis la ville natale du dramaturge sur la carte touristique.

Pendant la majeure partie des années 1700, Shakespeare était considéré comme un très bon auteur. Mais dans les années 1800, et surtout pendant la période victorienne, Shakespeare est devenu un prophète. Les ministres ont commencé à tirer des leçons de ses textes. Les érudits ont écrit des livres sur les résonances de ses mots, souvent en sortant ces mots de leur contexte. Les œuvres de Shakespeare, croyaient les Victoriens, allaient jusqu'à offrir des révélations religieuses !!!

Après Garrick, ce fut John Philip Kemble qui devient le grand acteur shakespearien, toujours au Drury Lane où il fit sa première apparition à 22 ans (image ci-contre) le 30 septembre 1783 dans le rôle de Hamlet. Il en deviendra directeur en 1788 (à 27 ans). Il dirigera le Drury Lane et y jouera Shakespeare jusqu'en 1802. Le troisième Drury Lane Theatre brûlera en 1809. Le quatrième (celui d'aujourd'hui) sera reconstruit en 1812.

Il a ouvert ses portes le 10 octobre 1812 avec une production de Hamlet mettant en vedette Robert Elliston dans le rôle-titre. Le nouveau théâtre a fait quelques concessions en matière d’intimité, pouvant accueillir 3.060 personnes, soit environ 550 de moins que le bâtiment précédent.

Deux ans plus tard, en 1814, le comité du théâtre de Drury Lane, au bord de la faillite, a fait un coup de poker donnant un rôle principal à Edmund Kean (27 ans): sa première apparition au Drury Lane le 26 janvier 1814 dans le rôle de Shylock de The Merchant of Venice de Shakespeare (ci-contre) souleva le public à un enthousiasme presque incontrôlable. Les contemporains ont reconnu que Kean avait apporté de la dignité et de l’humanité à son interprétation du personnage (rappelons que cette pièce est souvent considérée comme antisémite, nous en reparlerons puisque je vais la voir dans quelques jours). Ses apparitions successives dans Richard III, Hamlet, Othello, Macbeth et King Lear démontrent sa maîtrise de la gamme de l’émotion tragique. Kean a été le premier à restaurer la fin tragique du Roi Lear, qui depuis 1681 avait été remplacée par une fin heureuse... Il sombrera dans l'alcool et aura une vie privée agitée fort peu appréciée. Le 17 janvier 1825, Kean fut hué et bombardé de fruits au Drury Lane, l’obligeant presque à se retirer définitivement.

On pourrait citer d'autres monstres sacrés du théâtre anglais qui ont joué Shakespeare au XIXème siècle, au Drury Lane ou ailleurs, dont Irving Berlin, sans oublier de magnifiques actrices comme Lillie Langtry, Ellen Terry, Helena Modjeska ou Mary Anderson.

Au Drury Lane - qui est devenu le temple des musicals durant tout le XXème siècle - quand a-t-on joué pour la dernière fois Shakeseare? En 1957. C'était The Tempest avec John Gielgud dans le rôle de Prospero (ci-contre).

Pourquoi toute cette longue introduction? Parce que j'adore le Drury Lane où j'ai vu de magnifiques musicals. Que je l'ai visité de très nombreuses fois et de se dire que Kean a joué sur ce plateau, dans ces murs, cela me touche. Que je trouve la rénovation réalisée par Andrew Lloyd Webber pendant le COVID totalement incroyable (mon post d'il y a un à ce sujet). Il est lui-même extrêmement attaché à la présence de Shakespeare dans ces lieux. À la fin de l’année 2019, Andrew Lloyd Webber a approché Maria Kreyn, lui demandant de créer 8 peintures à grande échelle en tant qu’installation permanente spécifique au site de son Theater Royal Drury Lane récemment rénové. Il lui a demandé de se concentrer autour de Shakespeare et de rendre son œuvre dangereuse, voire apocalyptique. Cela a donné de magnifiques peintures:

Andrew Lloyd Webber, à qui appartient le Drury Lane - et qui est quand même un peu dingue - s'est dit que ce serait chouette que Shakespeare revienne après 67 ans au Theatre Royal Drury Lane. Il en parle ainsi: "À neuf ans, on m'a emmené au Theatre Royal Drury Lane pour voir la légendaire production de Peter Brook, The Tempest, avec John Gielgud dans le rôle de Prospero. Cela m’a profondément marqué. Lors de la dernière représentation, aux applaudissements, Gielgud a déclaré que Shakespeare ne serait plus jamais joué au Théâtre Royal car il serait "perdu dans les musicals". Depuis que je possède le Théâtre Royal, j’ai toujours voulu lui prouver qu’il avait tort. C’est donc une joie énorme que Jamie Lloyd ramène Shakespeare au Drury Lane et encore plus merveilleux que la première des deux pièces de Shakespeare sera The Tempest."

Pourquoi a-t-il demandé à Jamie Lloyd de mettre en scène?

Sans doute parce qu'ils se sont rencontrés de manière artistiquement foudroyante quand Jamie Lloyd a mis en scène - certains disent totalement recréé - Sunset Bloulevard en 2023 au Savoy Theatre (mon poste de l'époque). Andrew Lloyd Webber a tellement aimé le travail de Jamie Lloyd, qu'il lui a demandé de mettre en scène deux Shakesperare au Drury Lane (The Tempest et Much Ado About Nothing). Il va aussi mettre en scène une nouvelle version d'Evita au London Palladium cet été (qu'il avait déjà,mise en scène au Regent’s Park Open Air Theatre avant la pandémie).

Et comme leur coup de foudre artistique est énorme, Jamie Lloyd mettra en scène le futur nouveau musical d'Andrew Lloyd Webber: The Illusionist. Lloyd Webber (76 ans) a vraiment envie que son nouveau spectacle soit mis en scène par le jeune Jamie Lloyd (43 ans) parce qu'il introduit de nouvelles façons de rêver dans le théâtre musical. "Et en tant qu’ancien maintenant, avoir quelqu’un de plus jeune me met au défi", dit Lloyd Webber. Il note comment le couple a développé une amitié étroite et une relation de travail sur Sunset Boulevard où ils se sont mis au défi. Ils ont réussi à couper deux numéros de Sunset Boulevard sans se brouiller. The Illusionist, ce sera pour 2026 ou 2027.

Tout cela - le Dury Lane, Shakespeare, Gielgud en 1937 qui déclare que Shakepeare au Drury Lane c'est fini, l'amitié Lloyd Webber / Jamie Lloyd, ... - a fait de la création de la mise en scène par Jamie Lloyd de The Tempest au Drury Lane l'ÉVÉNEMENT THÉÂTRAL DE L'ANNÉE.

C'est-dire si je me rends avec empressement au Drury Lane. L'autre spectacle du jour, c'est la toute dernière représentation (closing show) de Guys and Dolls que j'adore. C'est la journée phare de mes deux semaines. Bon, on y va...

Bon, bien sûr, je sais que les critiques sont mauvaises, qu'ils ont dû diviser le prix des places par deux... Mais reste la pièce, Shakespeare, Jamie Lloyd, le Drury Lane, ...

Le spectacle commence dans 1 minute. Où sont les gens?

Vu les bananes, les acteurs ne doivent pas jouer sans micro...

En fait, le pitch de The Tempest est très simple: un équipage d’hommes fait naufrage sur une île magique et est tourmenté par un vieil homme et ses esclaves. Mais c'est tellement plus subtil. Tout commence par une tempête... Au milieu de cette tempête, un navire s’apprête à couler, à son bord se trouvent: Alonso, roi de Naples; Ferdinand, son fils; Sebastian, son frère; Gonzalo, son conseiller; Antonio, duc de Milan; et deux nobles nommés Adrien et Francisco. Ce groupe de nobles rentre en Italie après le mariage de la fille d’Alonso en Tunisie.

Sur une île, la jeune Miranda (15 ans) observe le navire dans la tempête et s’inquiète pour les personnes à bord. Elle demande à son père, Prospero, de calmer la tempête. Prospero a développé des pouvoirs magiques. Il a créé la tempête avec l’aide d’Ariel, un esprit qui est devenu son serviteur. Prospero assure à Miranda que tout va bien. Mais il décide, pour la première fois, de lui parler de son passé. Prospero était duc de Milan, mais, 12 ans auparavant, son frère Antonio l’a renversé avec l’aide d’Alonso, roi de Naples. Prospero a alors été jeté à la mer dans un bateau avec sa fille Miranda, âgée de trois ans, et ils ont atterri sur une île magique dont ils ont fait leur maison. Ils ont réduit en esclavage le seul insulaire autochtone, Caliban. Les seuls autres habitants de l’île sont des esprits, y compris Ariel, que Prospero avait sauvé de son emprisonnement dans un arbre - en échange d’être libéré de l’arbre, Ariel sert maintenant Prospero et exécute ses ordres magiques; Prospero a promis à Ariel que s’il fait tout ce qu’on lui demande, il sera libéré.

Comme Antonio est sur le bateau qu'Ariel a plongé dans une tempête, Prospero espère enfin rectifier son passé. Prospero et Ariel complotent sur ce qu’ils vont faire de ces hommes maintenant qu’ils sont sur le rivage. Les courtisans du navire sont jetés à terre sains et saufs. Mais le roi est au bord du désespoir, croyant que Ferdinand, son fils, s’est noyé. Ferdinand est en fait arrivé sain et sauf dans une autre partie de l’île où il rencontre Miranda et ils tombent instantanément amoureux.

Prospero fait semblant de ne pas être d’accord pour qu’ils se marient tout de suite et teste l’amour de Ferdinand.

Deux des serviteurs d’Alonso, Stephano et Trinculo, font également naufrage sur l’île. Ils rencontrent Caliban, une créature de l’île que Prospero traite comme un esclave. Caliban espère que Stephano et Trinculo l’aideront à se débarrasser de Prospero.

Ariel apparaît à Alonso et à ses nobles et leur dit qu’ils sont punis pour la façon dont ils ont traité Prospero. Alonso s’excuse auprès de Prospero et le fait à nouveau duc de Milan. Prospero révèle alors à Alonso que Ferdinand est toujours en vie et qu’il est fiancé à Miranda. Ariel punit Caliban, Stephano et Trinculo pour avoir essayé de nuire à Prospero et révèle également que le navire est en sécurité et prêt à retourner à Naples. Prospero tient sa promesse et libère Ariel...

Voilà en très très résumé, The Tempest de Shakespeare. Et pour être honnête, je suis vraiment resté sur ma faim. Je ne comprends quasiment aucune des options prises. Tout d'abord, l'île... Pourquoi en faire une énorme colline noire, un terril industriel? On se croirait dans les corons... Alors, bien sûr, on est dans le style-signature de Lloyd: le gris et le noir.

L’atmosphère incessante de l’obscurité n’est pas levée par un mouvement vers l’espoir ou la rédemption. A aucun moment, la forme ne permet de ressentir qu'il s'agit d'une pièce sur la vengeance qui bascule vers le pardon. Bien au contraire. Le ton est monotone, terne, sombre .... Sans le moindre espoir.

Le Prospero de Sigourney Weaver? En résumé, c’est assez simple. Elle est assise et observe tout. Et quand, elle prend la parole, c'est sur un ton lassant, triste, ennuyeux, monocorde. Je ne parle même pas de la musique de la langue shakespearienne qui est ici totalement absente, non, je parle de l'expression de l'acteur qui tente d'incarner un personnage et essaie de lui donner une âme. Prospero est censé diriger ce complot de vengeance initié par la tempête créée par Ariel. Ce qui est très bien réussi, c'est qu'elle arrive à rendre sa transparence totalement omniprésente, car Jamie Lloyd la maintient en scène virtuellement tout le spectacle - hors entracte.

L’atmosphère incessante de l’obscurité n’est pas levée par un mouvement vers l’espoir ou la rédemption. À aucun moment, la forme ne permet de ressentir qu'il s'agit d'une pièce sur la vengeance qui bascule vers le pardon. Bien au contraire. Le ton est monotone, terne, sombre .... Sans le moindre espoir.

Le Prospero de Sigourney Weaver? En résumé, c’est assez simple. Elle est assise et observe tout. Et quand, elle prend la parole, c'est sur un ton lassant, triste, ennuyeux, monocorde. Je ne parle même pas de la musique de la langue shakespearienne qui est ici totalement absente, non, je parle de l'expression de l'acteur qui tente d'incarner un personnage et essaie de lui donner une âme. Prospero est censé diriger ce complot de vengeance initié par la tempête créée par Ariel. Ce qui est très bien réussi, c'est qu'elle arrive à rendre sa transparence totalement omniprésente, car Jamie Lloyd la maintient en scène virtuellement tout le spectacle - hors entracte.

Le scénario complexe a été réduit à deux fois une heure... Cela rend la pièce, ou en tous cas les intentions des personnages, encore plus obscure.

Mais ce qui fait de La Tempête une si grande pièce, c’est sa profondeur émotionnelle et sa sagesse: la grande beauté de son exploration du pardon, de la rédemption et de la renaissance. Prospero est un personnage si étrange et ambivalent qu’il peut y avoir une immense émotion et une complexité morale dans son abandon de la vengeance. Cette complexité et cette intimité humaines sont totalement absentes de la mise en scène de Lloyd. Et c'est beaucoup plus large que la problématique de Prospero. Il n’y a jamais de danger et tout est curieusement immobile, même, par exemple, lors de la réconciliation très chargée entre Ferdinand et son père Alonso, qui croient tous deux que l’autre est mort dans le naufrage.

Allez, pour dire quand même quelque chose de positif, il y a un très beau travail de Mason Alexander Park (ci-contre - que j'ai vu jouer le rôle d'Emcee dans Cabaret au Playhouse) dans le rôle d’Ariel, un être étrange et éthéré avec une superbe voix de chanteur. Il est le seul qui nous donne l'impression d'exister vraiment. On a l'impression de voir un esclave incandescent sur la scène. Descendant menaçant d’en haut des cintres ou traquant les dunes noires enveloppées, il grogne, rugit ou susurre ses lignes avec une intensité sauvage électrisante, puis se lance dans un chant magnifiquement délicat, faisant comprendre l’étrangeté surnaturelle qui imprègne l’île de Prospero...

Lorsque John Gielgud a joué Prospero sur cette scène dans Tempest de Peter Brook en 1957 – la dernière fois donc que Shakespeare a été joué à Drury Lane – il n’était apparemment pas le magicien bienfaisant habituel, mais un humain imparfait, rendu amer par son désir de vengeance. Quand il brisait son bâton, abjurant la magie, cela signifiait quelque chose. À la dernière, quand Gielgud a déclaré que: "Shakespeare ne serait plus jamais joué au Théâtre Royal Drury Lane", il avait raison, car ce spectacle de Jamie Lloyd, ce n'était pas Shakespeare.

Mon avis pour ce spectacle est très clair:

★☆☆☆☆

Espérons, sincèrement, qu'avec le Much Ado About Nothing qui commence en février au Drury Lane, Jamie Lloyd s'y prendra autrement et qu’il donnera tort à Gielgud...

Encore un spectacle que j'ai une vraie impatience à voir. C'est le seul musical d'Andrew Lloyd Webber que je n'ai pas vu en live. Et il y en a quelques-uns: Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat (1968), Jesus Christ Superstar (1970), Evita (1976), Cats (1981), Starlight Express (1984), The Phantom of the Opera (1986), Aspects of Love (1989), Sunset Boulevard (1993), Whistle Down the Wind (1996), The Beautiful Game (2000), The Woman in White (2004), Love Never Dies (2010), The Wizard of Oz (2011), Stephen Ward (2013), School of Rock (2015) et Cinderella (2021).

J'ai une tendresse particulière pour Andrew Lloyd Webber. J'aime beaucoup la plupart de ses œuvres - on en a monté deux (Evita et Sunset Boulevard) à Bruxellons!. Étonnement, c'est The Phantom of the Opera, son plus gros succès (le spectacle se joue depuis 38 ans à Londres), auquel j'accroche le moins.

J'aime le fait qu'il ne soit jamais entré dans un moule et qu'il ait souvent été là où on ne l'attendait pas. Sa première œuvre, écrite avec son pote Tim Rice, Joseph, a été présentée pour la première fois sous la forme d’une « cantate pop » de 15 minutes à la Colet Court School de Londres en 1968. Après le triomphe de Jesus Christ Superstar en 1970, il complètera Joseph pour en faire un spectacle complet. Joseph est basé sur l’histoire de Joesph dans la Genèse et JCS (Jesus Christ Superstar) interroge la psychologie de Jésus et d’autres personnages, avec une grande partie de l’intrigue centrée sur Judas, qui n’est pas satisfait de la direction dans laquelle Jésus dirige ses disciples. La musique est résolument rock. En fait, il a voulu que ce soit un mélange d’orchestre symphonique, de section de cuivres souls, de chorale gospel et de rock! Un 'single' est sorti chanté par Murray Head

La création mondiale de Jesus Christ Superstar a eu lieu le 12 octobre 1971 à Broadway. Un triomphe et puis le monde entier... Dont Londres, au Palace Theatre du 9 août 1972 au 23 aout 1980 (3.368 représentations), qui a accueilli Les Misérables pendant près de 20 ans et aujourd'hui Harry Potter. Le Théâtre appartient aujourd'hui à Andrew Lloyd Webber.

Le spectacle a été condamné par différents groupes religieux. Tim Rice a déclaré : « Il se trouve que nous ne voyons pas le Christ comme Dieu, mais simplement comme l’homme qu’il faut, au bon moment et au bon endroit. » On est dans cette période de contestation de la fin des années '60...

Son musical suivant, Evita, va parler de la femme arriviste d'un dictateur argentin.

Et un petit souvenir de Bruxellons!

Mais il ne va pas s'arrêter là... Ne reculant devant aucun risque, son musical suivant en 1981 (il a 33 ans et est une star mondiale), Cats, est basé sur le recueil de poésie de 1939 Old Possum’s Book of Practical Cats de T. S. Eliot. La comédie musicale raconte l’histoire d’une tribu de chats. Le spectacle va se jouer du 11 mai 1981 au 11 mai 2002 (victime des attentats du 11 septembre) après 21 ans et 8.949 représentations (il se jouera 18 ans à Broadway). Rien que des chats sur scène...

Après ces 4 musicals atypiques qui ont tous triomphé, pourquoi rentrer dans le rang? Alors, Lloyd Webber décide de créer un musical où une jeune mais obsolète locomotive à vapeur, Rusty, participe à un championnat contre des locomotives modernes à moteur diesel et électrique dans l’espoir d’impressionner un wagon panoramique de première classe, Pearl. Les acteurs se produisent sur des patins à roulettes. Et oui, c'es ce musical que je rêve de voir depuis des années!!! Starlight Express a été créé le 27 mars 1984 à l'Apollo Victoria de Londres les 27 mars 1984, se jouant jusqu'au 12 janvier 2002 (victime comme Cats des attentats du 11 septembre). Ce musical a été un vrai succès et, par exemple, le 12 juin 1988 a ouvert à Bochum en Allemagne un théâtre spécialement conçu pour Starlight Express où le musical se joue depuis lors sans interruption, soit depuis près de 40 ans!!! Nous allons y revenir puisque c'est le spectacle de cette après-midi...

Il va enchaîner deux ans plus tard avec The Phantom of the Opera qui se joue toujours aujourd'hui. Je pourrais continuer des heures pour montrer à quel point Lloyd Webber n'a jamais fait deux fois la même chose. Il a fait un musical sur le football (Beautiful Game), sur le scandale politique de l'affaire Profumo (Stephen Ward), ....

Revenons à Stralight Express...

Où jouer une telle folie? En 1984, ils avaient complètement transformé l'Appolo Victoria. Cette fois, Starlight Express va se jouer au Wembley Park Theatre où j'avais vu l'an dernier Newsies. L'avantage est qu'il s'agit d'un anicen studio de cinéma totalement adaptable. Voici une petite visite du lieu:

Et deux photos depuis mon siège:

Assis sur mon siège et attendant (30 minutes) le début du spectacle, je me demande comment l'audace de Lloyd Webber a réussi à concevoir un spectacle mettant en scène la vie – et l’amour – de wagons de train qui chantent leurs ressentis à travers une course nocturne en faisant des patins à roulettes !!!! Et que cela ait tenu l'affiche pendant près de 20 ans à Londres et tienne toujours l'affiche depuis 35 ans à Bochum. Starlight Express est-il le musical le plus farfelu de tous les temps sur scène?

En tous cas, on va être plongé en plein milieu de l'action: une piste de patin passe juste devant moi et une autre sur la gauche. Il y en a encore derrière.

L'histoire commence tout simplement par un garçon jouant avec son chemin de fer. La mère lui dit qu'il est temps d'aller se coucher et il s'endort. Nous sommes transportés dans son rêve: les trains-jouets flottent vers le haut et des artistes en costumes appropriés apparaissent sur scène. On se trouve plongé dans un championnat pour trains... Le tenant du titre est Greaseball, une locomotive diesel.

Mais il y a aussi Rusty la locomotive à vapeur et Electra la locomotive électrique. Et des locomotives venues de l'étranger. Greaseball se moque des efforts des autres locomotives pour être les plus cool et gagner la course. Greaseball ne craint que la locomotive électrique – Electra. Très vite, on se rend compte que Rusty est le héros du spectacle. Il sera d'ailleurs soutenu par l'enfant rêveur.

Mais il n'y a pas que les locomotives. Il y a aussi des tas de wagons. Des voitures-restaurants, des wagons-passagers, des wagons de fret que Rusty part chercher dans une gare.... Et Pearl, un wagon-observatoire de première classe (avec plein de grandes fenêtres). Une histoire d'amour naît entre la locomotive à vapeur Rusty et Pearl , le wagon-observatoire.

Le championnat est organisé en dIfférentes manches. Chaque gagnant de manche participe à la finale. Chaque participant est constitué d'une locomotive et d'un wagon. La belle Pearl accepte de faire équipe avec Electra dans la première course. Rusty, le cœur brisé, décide de ne pas participer au championnat du monde. Instantanément, Momma McCoy, la vétérane des courses précédentes et aussi locomotive à vapeur, décide de prendre la place de Rusty, désireuse de maintenir la réputation de la locomotive à vapeur dans la course.

Néanmoins, Rusty deviendra un participant à la manche suivante, et, grâce au soutien de Momma McCoy, il surmontera tous les obstacles. Et ainsi de suite... Et bien sûr, à la fin, Rusty gagne le championnat et le cœur de Pearl. Il y a bien sûr des tas de rebondissements, dont une locomotive à hydrogène (nouveau dans cette version de 2024).

Il y a de très très impressionnantes courses de train - ou d'artistes en patin à roulettes. Les paroles de Richard Stilgoe sont ridicules, mais agréables et la plupart des chansons sont très efficaces.

C'est bizarre d'osciller à ce point entre le sublime et le ridicule. Et pourtant, de passer un très très bon moment où on ne s'ennuie pas une seconde.

Ce n'est certainement pas mon Lloyd Webber préféré. Mais je suis super content de l'avoir vu. En fait j'ai passé un super moment. A posteriori, j'ai regardé ce spectacle avec des yeux d'enfants. Pas spécialement parce que l'histoire y pousse moais, surtout parce que le spectacle y pousse. Ces "trains" qui passent à toute vitesse, c'est un vrai plus. Ils font quand même du 50km/h.

Pendant les courses, les petites barrières au ras du sol qu'on voit sur les bords de la piste sur la photo ci-dessus montent à une hauteur de 1m20 pour devenir de vraies barrières de protection empêchant qu'un acteur ne tombe à pleine vitesse dans le public. Rien que ça, le producteur que je suis, se dit: "Pfff... Quel boulot!".

On connait tous ces photos de Dr. Strangelove (Dr. Folamour) de Stanley Kubrick avec le sublime acteur anglais Peter Sellers...

Ce film date de 1964. Le monde était en pleine guerre froide: deux ans après la Crise des Missiles de Cuba; un an après l'assassinat de Kennedy; l'année même où Khrouchtchev est destitué de ses fonctions de leader de l'URSS pour être remplacé par un communiste de la ligne "dure" (Leonid Brejnev). L'avenir du monde est incertain. C'est aussi l'année où Stanley Kubrick, le réalisateur volontiers polémique des Sentiers de la Gloire, de Spartacus et de Lolita, donne jour à Dr. Strangelove or : How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, aujourd'hui considéré à raison comme un chef-d'œuvre reconnu de tous.

Adapté du roman Red Alert de Peter George (publié en 1958), au ton très sérieux, le film mise à contrario sur l'humour, un humour sous forme de violente satire. Le générique de début, présentant les bombardiers sur fond de musique sirupeuse, légère, va donner le ton.

Premier élément notable: le casting du film est un sans faute sur toute la ligne. Avec en tête d'affiche Peter Sellers, déjà vu précédemment chez Kubrick (Lolita), dont seul le nom suffit à imposer la qualité d'une œuvre. Et le réalisateur, conscient des qualités de l'acteur, exploite pleinement son potentiel en lui offrant plusieurs rôles clefs. Prévu au départ pour jouer 4 rôles dans le film, celui de Mandrake, celui du Président Muffley, celui de Folamour et celui du Major Kong, n'en tiendra finalement que 3, ne pouvant assumer celui de Kong pour cause tout d'abord de jambe cassée avant le tournage de ses scènes.

Et bien dans le spectacle, il en sera de même. Le comédien principal Steve Coogan jouera 4 rôles... Il a donc durant le spectacle, 14 "quick change":

Mais revenons d'abord sur l'histoire... Il s’agit d’une comédie absurde et sombre qui envisage qu'en pleine guerre froide, le général de l'Armée de l'air américain Jack D. Ripper, frappé de folie paranoïaque, décide, seul et alors qu'aucune menace ne le justifiait, d’envoyer ses quarante-deux bombardiers B-52 munis de bombes atomiques frapper l’URSS.

Puis il coupe sa base de l'extérieur, et le Pentagone n'a aucun moyen de rappeler ces avions. Avec l’aide d’un ex-scientifique nazi excentrique, nommé Dr Folamour (Steve Coogan), le président des États-Unis (également Steve Coogan) et un capitaine de l’armée de l’air britannique (également Steve Coogan !) peuvent-ils travailler ensemble pour empêcher une apocalypse ?

Après de très nombreuses péripéties et l'attaque par les Américains de la base de leur général Jack D. Ripper, tous les bombardiers pourront êtes rappelés, sauf un, commandé par le major T. J. « King » Kong (encore et toujours Steve Coogan).

Parce que son équipement radio a été endommagé par un SAM soviétique, il est incapable de recevoir ou d’envoyer des communications. Pour économiser du carburant, Kong vole sous les radars et change de cible, empêchant ainsi les radars aériens soviétiques de détecter et d’intercepter leur avion. Parce que le missile soviétique a également endommagé les portes de la soute à bombes, Kong entre dans la soute et répare le câblage électrique. Lorsqu’il réussit, la bombe tombe avec lui à califourchon. Kong hulule joyeusement et agite son chapeau de cow-boy alors qu’il chevauche la bombe qui tombe vers sa mort.

La conception de la production de ce spectacle est incroyablement professionnelle. Les changements entre les différents (et nombreux) décors (conçus par Hildegard Bechtler) sont excessivement fluides, souvent accompagnés de mini intermèdes musicaux de quelques secondes.

Une des grandes forces de cette version scénique de Dr. Strangelove est que les éléments sombres et comiques sont répartis sur l’ensemble de la distribution: de la flatterie du président par Faceman (joué par Mark Hadfield) et la folie croissante du général Ripper (joué par John Hopkins), à la logique erronée du général Turgidson (joué par Giles Terera). Tout le monde est capable de transmettre de manière convaincante un peu de folie en propageant de la peur et du suspense. L’ensemble du casting est superbe. Mais une note particulière doit, bien entendu, être faite à la performance de Steve Coogan dans les rôles du capitaine Mandrake, du président Muffley, du major TJ Kong et du titulaire Dr Strangelove. La caractérisation précise de chacun de ces 4 personnages a rendu chacune de ces figures incroyablement distinctes et TOUTES ses apparitions tout au long de la pièce vraiment captivantes. Il était également capable de tirer chaque once de comédie de chaque réplique humoristique, apportant de la légèreté même lorsque le sujet était le plus sombre. En plus, il est quasiment en scène tout le temps, dans un personnage ou un autre.

Rarement la perspective de la fin du monde n’a été aussi drôle. L’anxiété collective, l’orgueil et l’idiotie de l’ensemble sont une joie à voir. Le monde militarisé satirisé dans la pièce est masculin: la distribution principale est presque entièrement masculine – à l’exception d’une femme qui apparaît à la fin, lorsque le mal est fait.

Ce n’est pas une comédie musicale, mais le spectacle commence et se termine par un chœur de militaires dansant sur des chansons populaires. Le numéro d’ouverture est une version de Try A Little Tenderness.

Et le spectacle se termine avec Vera Lynn (Penny Ashmore) chantant avec une terrible ironie la chanson sentimentale de la Seconde Guerre mondiale We’ll Meet Again.

Si on veut commenter pour commenter, on peut se demander si la production n'allait pas être handicapée par deux choses: l’héritage du film de Kubrick et la célébrité de Steve Coogan. Inévitablement, l’ombre du film plane sur la pièce. C'est une évidence absolue. De nombreux choix créatifs sont guidés directement du film de Kubrick. La bande sonore de la pièce est un écho du film avec, comme nous l'avons signalé, une interprétation d’ouverture de Try a Little Tenderness et un final sur We’ll Meet Again de Vera Lynn. Un des décors dans la version scénique reproduit fidèlement la salle de guerre du film, avec son imposant anneau de lumière et les « grands écrans » qui figurent en bonne place dans l’histoire.

Beaucoup des meilleures répliques de la pièce, sans surprise, proviennent du film, et le public les écoutait clairement. Il y a eu une salve d’applaudissements après « Gentlemen, you can’t fight in here, this is the war room! »

La vraie question est que, comme il s’agit d’adapter une œuvre d’art parfaite à un autre support: est-il préférable d’innover ou d’imiter? L'option d'imitation m'a totalement convenu. Comme la scène où il est assis sur la bombe, pourquoi faire autre choisit?

Allez, quelques photos pour le souvenir...

Et, en guise de conclusion, une super vidéo de WhatsOnStage avec des interviews le soir de la Première.